Dans les chansons américaines et les contes folkloriques, un carrefour est l’endroit où vous rencontrez le diable à minuit – où vous faites un choix. C’est une puissante métaphore malgré son omniprésente, ce qui explique sans doute pourquoi le Smithsonian a choisi « Crossroads: Change in Rural America » comme le titre d’une exposition qui voyage à travers les villes du Vermont et du New Hampshire. L’émission a récemment ouvert ses portes au Chandler Center for the Arts à Randolph, où il est exposé jusqu’au 22 mars.
L’exposition, développée par le Smithsonian et Copresenseend par le Vermont Humanities et le New Hampshire Humanities, est elle-même une sorte de carrefour où deux approches de conservation très différentes se croisent. Un chemin, au centre de la galerie, est une série de six murs d’exposition autonomes organisés autour de cinq thèmes: identité, terre, communauté, persistance et gestion du changement. L’autre chemin est une sélection d’œuvres des artistes du Vermont, traînée autour des bords de la galerie et organisée par Rebbie Carleton et le Chandler’s Volunteer Gallery Committee.
Les panneaux du Smithsonian tentent de définir « l’Amérique rurale » et présentent des exemples de la façon dont il a changé au cours du siècle dernier, avec un aperçu des défis actuels et futurs. Les offres de l’institution comprennent des photos historiques, des objets, des vidéos, du son, de petits liants pour les téléspectateurs à basculer et un écran tactile interactif, ainsi qu’un peu de texte de conservation.
Un spectateur peut et devrait se perdre dans les détails. La section sur l’identité présente des photos historiques fascinantes et culturellement inclusives des agriculteurs et des ruraux. Sur les panneaux et dans les diaporamas vidéo, les téléspectateurs peuvent voir les célèbres images de travailleurs agricoles de Dorothea Lange dans les années 1930 et les années 40, des portraits formels tels que la « Famille Natsumeda, 1927 », et des instantanés dans les communautés rurales prises dans la dernière décennie. Une vidéo sous-titrée affiche les définitions des gens de ce que « rural » signifie pour eux.
Une section de peintures historiques reproduites, dont « American Gothic » de Grant Wood et « Notch of the White Mountains » de Thomas Cole, souligne comment les artistes ont souvent romancé la vie rurale. Mais cette partie de l’exposition manque la marque à certains égards. Les peintures perdent leur impact à une si petite échelle. L’affichage ne mentionne pas que beaucoup de ces artistes déplorent la perte de paysages ruraux ou sauvages même s’ils les représentaient, accordant une qualité élégiaque délibérément sur leurs scènes.
La présentation fait le mieux lorsqu’elle illustre ses points avec des exemples spécifiques. Dans une section sur les terres, il décrit comment le territoire indigène a été « parfois rendu sous pression ou parfois acheté », accompagné d’une image d’un traité de 1805 céding terres de cinq nations autochtones différentes aux États-Unis à travers des photos et du texte, le panel trace comment la partie De cette terre dans l’Indiana a ensuite été installée par une famille blanche. Avec le contexte supplémentaire, un ancien document juridique devient convaincant. C’est un moyen efficace d’utiliser une petite histoire pour reconnaître une histoire beaucoup plus large.
Dans les sections sur la revitalisation rurale contemporaine, l’exposition détaille des projets de petite ville tels que les centres artistiques et les marchés de producteurs. La ferme familiale Clemmons de Charlotte est proposée comme un exemple d’organisation reliant la culture à l’agriculture.
Les larges traits de l’exposition, cependant, semblent un peu déplacées. Les affirmations telles que « les Américains ruraux contribuent à la richesse économique et culturelle de la nation avec leurs connaissances, leur travail acharné et leur créativité » se sentent un peu condescendants. Une grande partie du texte a conduit ce critique à se demander à qui l’exposition est destinée.
Les téléspectateurs verront une approche plus nuancée et créative de l’identité rurale dans les excellents ajouts locaux au spectacle. Parmi eux, la courtepointe de 8 par 6 pieds de Linda Diak, « Road Trip », se démarque. Il représente un équipage hétéroclite d’un taureau, un cochon, un emu et un paon entraînant un cabriolet, le vent dans leurs plumes. Diak a construit l’image avec des applications détaillées et précises, matelassées avec des lignes tourbillonnantes, des nuages et des motifs géométriques.
Drôle et audacieux, la pièce est rendue poignante par la description sur son étiquette de la façon dont ces animaux ont été perdus lors des inondations de 2023. Le taureau et le cochon ont été retrouvés en une journée, tandis que l’émeu était en fuite pendant un mois. « Kevin, le paon, n’a pas été vu depuis », lit l’étiquette. « Nous espérons qu’il vit quelque part sa meilleure vie. »
Carolyn Egeli présente plusieurs grandes toiles délicieusement peintes et arrosées. « The Stink Eye » capture une vache fixant un sabot au bord d’un ruisseau. « Collection SAP » montre des agriculteurs locaux sucre avec un chariot tiré par des chevaux. L’une ou l’autre pourrait être confondue avec une vue d’il y a un siècle, mais leurs étiquettes offrent un contexte contemporain. La vache fait partie d’un troupeau vendu en raison de pressions sur les coûts; L’épouse du maker de sucre est décrite comme un avocat environnemental pour l’État, un clin d’œil au fait que de nombreux agriculteurs doivent travailler d’autres emplois pour joindre les deux bouts.
Le photographe Jack Rowell propose des images variées et chargées de la personnalité en noir et blanc de vermons ruraux. Ils incluent son « Man on the Midway » grisonnant lors de la foire de Tunbridge World de 1972 ainsi que des portraits expressifs de Margaret Egerton, résidente de Randolph, – illustré comme un chef de file de près de 100 ans – et un portrait en 2014 de l’auditeur-compositeur-interprète chanteur de Brookfield Myra Flynn, l’air jeune et plein d’espoir. Leur spécificité et leurs différences signalent des histoires individuelles plus profondes de personnes qui ne sont pas uniquement définies par leur pays.
Steve DePalma transforme sa caméra en structures rurales. Il a documenté tous les ponts couverts du Vermont, puis a édité ses photos dans des images abstraites et kaléidoscopiques dont les formes de diamant et les motifs sillonnants reflètent les bois des ponts. Regarder ces symboles emblématiques du paysage rural d’une telle manière illustre une ouverture créative au changement qui n’est pas toujours apparente dans les images plus documentaires de l’exposition.
Plusieurs travaux parlent de l’équilibre entre le changement et la constance. Le tapis accroché de Davey Mace « Things of the Heart » fait écho à un Currier et une imprimé Ives reproduit ailleurs dans l’exposition, avec des tout-petits roulant de jouets en plastique pour le traîneau à cheval du XIXe siècle. Ce genre de révision nous place dans le présent tout en renforçant le peu du paysage a changé.
Plusieurs des peintures de Woody Jackson, avec des vaches en noir et blanc austères contre les champs vibrants de magenta et de citron vert, rayonnent l’énergie croustillante du paysage rural et articulent son attrait plus efficacement que tout ce que le Smithsonien a vu.
Jennifer Davey, avec des tapis accrochés sur le thème écologique, et Cecily Anderson, avec des illustrations numériques d’agriculteurs, abordent le changement climatique – une omission flagrante dans l’exposition du Smithsonian – en tant que force qui stimule un changement massif et provoquant des choix difficiles.
Bien que les visiteurs aient déjà une idée assez claire de la raison pour laquelle les communautés rurales comptent, cela vaut vraiment la peine de les voir à travers les yeux de nos voisins et à travers les conflits et les défis du siècle dernier. L’exposition est une capsule d’un moment très particulier, celui que nous venons de passer: lorsque le gouvernement américain a articulé la diversité, l’inclusion et la conscience de l’histoire en tant que forces nationales, comme le font les conservateurs ici. Voyez-le pendant que vous le pouvez encore; Comme le dit le texte de l’exposition, « le changement, bon ou mauvais, est inévitable. »
