La semaine dernière, le président Donald Trump a relancé l’interdiction de voyager de son premier mandat, cette fois-ci, les citoyens de 12 pays d’entrer aux États-Unis avec les politiques de Trump qui semblent souvent motivées par l’idéologie et l’émotion, il vaut la peine de demander pourquoi le idée de transit sans entraves, plus que tout voyageur particulier, menace donc le statu quo.
Le thème de la migration – la liberté de se déplacer à travers les frontières et, à l’inverse, l’histoire de la migration forcée à travers le passage du milieu de l’Afrique vers les Caraïbes et nous pendant la traite transatlantique des esclaves – figure en bonne place dans « Infinite Passage », une rétrospective des œuvres de l’artiste d’origine guyanaise Carl E. Hazlewood au Brattleboro Museum & Art Center.
Le spectacle, cocoré par Serubiri Moïse et le doctorant K. Anthony Jones, présente des peintures abstraites, des dessins et une installation spécifique au site. Le langage visuel de Hazlewood est ludique et exubérant, avec des morceaux de ruban adhésif, du fil métallique, des perles, des punaises, du tapis utilitaire et du feutre de toiture, entre autres matériaux, intégrés de manière transparente à la peinture, au graphite et au pastel d’huile. Une couleur vive et saturée transporte le spectateur de Brattleboro détrempé directement dans les Caraïbes.
Dans une conversation le 3 juin avec le conservateur ougandais Moses et le savant Rinaldo Walcott, président de Africana et American Studies à l’Université de Buffalo, Hazlewood a expliqué que son travail est enraciné dans le paysage de la Guyane et dans son enfance là-bas. L’artiste est né en 1951 avec une malveillance cardiaque congénitale. Incapable d’aller à l’école et souvent malade, il a passé une grande partie de son temps seul, en lisant des histoires classiques telles que Robert Louis Stevenson Île au trésor Et Jonathan Swift Voyages de Gulliver.
Hazlewood a décrit son amour vorace du dessin et de la peinture enfant. Bien que sa mère lui ait dit de rester à l’intérieur lorsqu’elle est partie pour le travail, il s’est souvent aventuré à faire des choses d’argile; Quand elle est rentrée à la maison, elle a fait semblant de ne pas remarquer qu’il était couvert de boue.
« C’était une façon pour moi de m’engager avec le monde. En tant qu’enfant seul … c’est devenu un moyen de me connecter à la réalité », a déclaré Hazlewood. « C’est en quelque sorte fait moi réel. »
Au cours de ces premières années, il a également vu les choses différemment. Sa vision était terrible, a-t-il dit, et jusqu’à obtenir des lunettes, « tout était une explosion de couleur et de lumière ».
Parallèlement à ses lunettes, l’artiste a déclaré qu’il avait acquis une fascination pour les détails – la capacité de voir chaque feuille dans un arbre, par exemple. Ces façons contrastées de voir le monde s’équilibrent dans des œuvres telles que « Blackhead Sinker », une peinture de 52 par 34 pouces avec un panache de blanc se mélangeant dans de la peinture turquoise, scintillant un peu avec l’ajout de pigments en poudre. Couper des formes de papier, des lignes de pastel d’huile définitivement tracées et des bits vaporeux de fil d’or offrent une précision sur le fond rêveur.
« Blackhead » dans le titre de cette œuvre et d’autres travaux fait référence à Blackhead Signpost Road (renommé en 2021) en Virginie, où les résidents blancs ont massacré les noirs et ont ensuite montré une tête coupée d’un homme noir sur un brochet – une réponse à la rébellion d’esclaves de Nat Turner 1831. Hazlewood utilise le mot pour contextualiser le travail avec une conscience de sa propre identité racialisée, ce qu’il a dit qu’il n’avait pas vraiment en Guyane, mais cela est venu après que sa mère l’a amené à Houston en 1964 pour la chirurgie cardiaque.
Le point noir de l’artiste est un personnage amorphe, un soi qui a à la fois défini par le corps et libéré. Contrairement à de nombreuses peintures abstraites du 20e siècle, qui ne se préoccupent que des relations formelles internes, les titres de Hazlewood positionnent ses œuvres regardant vers l’extérieur dans le cadre d’une diaspora culturelle noire joyeuse.
Une autre figure qui est présente, sinon illustrée, dans son travail est Anansi The Spider, un filou dans le folklore africain et caribéen. Dans les histoires, Anansi est souvent dans une confiture – parfois de sa propre création – mais parvient toujours à s’en sortir par la ruse ou l’ingéniosité. (Le dimanche 15 juin, grogner Gryphons Traveling Children’s Theatre donnera vie à ses histoires dans « Anansi, The Trickster Spider: un conte populaire ouest-africain »; voir les détails.) Hazlewood a dit qu’il s’était identifié avec Anansi parce que The Spider est un survivant: « Il a toujours des ennuis, comme nous. »
Exemple le moment est l’œuvre « Blackhead Anansi Her Slow Dance », qui, selon le texte de la conservation, Hazlewood a fait lorsqu’il n’avait pas de studio permanent. Travaillant rapidement dans les espaces qu’il pouvait trouver, l’artiste a abandonné la peinture traditionnelle pour la construction, en utilisant du papier coupé, du ruban adhésif, des épingles, du cordon et du polyester sur papier. C’est une sorte de mouvement lyrique et plongeant à travers la page, rebondissant et équilibrant comme un mobile bidimensionnel.
Une série de six toiles en forme de diamant, accrochées au mur dans une formation triangulaire, utilise également des bits et des bobs épinglés et collés ensemble, mais ici, les compositions jouent comme des variations sur un thème musical. Les cercles, le filet noir, le fil d’or, les cordes de perles et d’autres éléments se répètent dans de nouvelles combinaisons et avec des schémas de couleurs distinctifs, du cuivre profond dans « Blackhead Ride autour du soleil » à un jaune à moitié ombragé dans « Anansi Sunweb ». Malgré leurs collections accumulées de choses, les œuvres semblent danser, la lumière sur leurs pieds.
Le paysage se faufile sur le spectacle obliquement, comme des pétales de fleurs géants dans « Demerara-Brown Brods Bloom » et « Demerara-Tropical Air », deux peintures de 7 par 5 pieds qui engloutissent le spectateur dans des tons de prune, de mangue et de violet. De même, trois travaux plus petits et antérieurs, de 1997 à 2000, tous gestes vers un horizon crédible. Leurs tons obsédants s’alignent sur la façon dont Hazlewood a décrit le paysage par la fenêtre de son enfance, peuplé par des yeux caiman brillants et une lune équatoriale imminente.
Bien que ces trois peintures soient retenues en termes de matériaux, en utilisant uniquement de la peinture sur toile, Hazlewood a déclaré que « tout était juste un jeu » quand il enseignait lui-même à faire de l’art. Cette attitude est claire dans les œuvres les plus récentes du spectacle, mais surtout dans l’installation spécifique au site « Citadel for Anansi », qui prend un grand mur de la galerie.
Deux tapis de services publics gris, le type que nous connaissons tous de la saison de la boue du Vermont, forment la toile de fond de la composition, à laquelle Hazlewood a ajouté des formes de papier goudron et un petit dessin. Une flèche de ruban vert et rouge vif jet de piétiner entre ses deux moitiés, comme en ordonnant que le spectateur se déplace. Des gouttelettes noires représentant un pulvérisation d’eau à partir de ses bords. Le regard donne de près de petits secrets: les épingles et les strass semblent flotter comme des étoiles, avec du fil doré cartographiant la forme d’une constellation inconnue.
La pièce hoche la tête à l’histoire du musée de Brattleboro en tant que gare de gare – un lieu de transit, a déclaré Moïse lors de la discussion. Le travail est temporaire et, après son incarnation actuelle, n’existera que sur les photos et comme mémoire. En ce sens, cela se rapporte à ce que Hazlewood a dit être l’un des pouvoirs les plus importants d’Anansi: la capacité de retirer des toiles et des histoires à partir de sources éphémères.
Cette compétence, en particulier, est importante pour les peuples de la diaspora des Caraïbes, dont la plupart ont à un moment donné migraient là-bas ou loin, volontiers ou non, a déclaré Hazlewood.
Il a ajouté: « Toutes ces choses deviennent un réseau d’expérience et un réseau de relations qui nous connectent – à partout dans le monde. »
