Peu de temps après que la juge Marilyn Skoglund a été nommée à la Cour suprême du Vermont il y a près de 20 ans, le conservateur de l’État, David Schutz s’il te plaît Débarrassez-vous des juges morts? »
Après avoir déplacé les peintures de juristes estimés tardifs à l’étage – le seul portrait de l’entrée est maintenant du juge à la retraite Skoglund elle-même – Skoglund et Schutz en ont profité pour montrer aux artistes contemporains du Vermont dans le hall du bâtiment.
Deux facteurs ont fait de la Galerie de la Cour suprême sans doute l’un des endroits les plus convoités de l’État pour que les artistes présentent leur travail. L’un est l’espace – il est bien adapté à la présentation de peintures à grande échelle. L’autre est un lieu. Les salles de marbre du bâtiment légendaires confèrent à la légitimité et à l’importance pour les artistes établis et émergents de longue date.
Approprié, alors, que Schutz et le cocurateur Mary Admasian ont organisé « Spaces & Places », une émission de peintures d’Anne Davis, Jamie Rauchman et James Secor, jusqu’au 30 septembre. Il marque l’introduction de spectacles de groupe à thème pour l’institution.
Admasian est un artiste et conservateur indépendant qui a travaillé avec le bureau du conservateur de l’État en tant que consultant pendant des années. Elle a dit que l’équipe là-bas, qui gère les œuvres d’art dans tout le district de Capitol, a été inspirée pour s’étendre au-delà des expositions solo typiques de la Cour suprême en assemblant l’art annuel au Kent Show – à venir en septembre au Kent Museum de Calais. « Il y a tellement d’artistes incroyables au Vermont que nous voulons vraiment exposer », a-t-elle déclaré, « et nous ne faisons que quatre spectacles par an. »
Les commissaires « Spaces & Places » ont permis de gérer habilement une tâche délicate: y compris plus d’artistes tout en offrant suffisamment de profondeur pour donner aux visiteurs une idée complète de leur projet et de leur vision. Plus que cela, les peintures se jouent magnifiquement, incitant le spectateur à considérer comment chaque artiste utilise l’espace et la place dans son travail.
Les toiles de Rauchman – qui, comme de nombreuses œuvres de la série, sont assez grandes – font le meilleur parti de l’espace illusionniste, représentant souvent le studio de l’artiste. Mais au lieu de présenter uniquement l’intérieur de la pièce, nous obtenons également l’artiste. « The Invisible Man », par exemple, montre Rauchman, nu, debout dans une pièce remplie de peintures, de boîtes, de buanderie, d’une chaise pliante. Mais l’arrière-plan s’est avancé pour éclipser la majeure partie de la figure, faisant une illusion d’optique dans laquelle le corps de l’artiste encadre son environnement.
D’autres œuvres présentent des créatures étranges et tentactées – l’une suintant sur le sol tout en considérant son propre portrait dans « Forbidden Self », un se prélassant avec désinvolture sur un canapé dans « Odalisque ». Ce sont des stand-ins drôles pour l’artiste, avec un avantage inquiétant rendu plus net par leur environnement clair et méticuleusement observé.
Tout au long des peintures exposées, Rauchman prend la ligne entre les espaces réels et imaginaires, les intérieurs et les extérieurs. « The Shining Cloud » montre un paysage hivernal spectaculaire à travers le pare-brise d’une voiture. Il capture l’expérience que de nombreux Vermoners ont de voir nos vues les plus étonnantes en conduisant et semble nous demander ce que nous regardons. Est-ce un intérieur? La voiture est-elle une extension du corps? Le paysage est-il complètement en dehors de la voiture ou une partie de l’expérience de la conduite?
L’un des paires de curatorial intelligents de la série est « A Room Somewhere » de Rauchman avec la « hanging guitar » de Secor. Les deux représentent une vue par la fenêtre du studio, en utilisant une palette violacée similaire, mais les œuvres sont tout à fait différentes. Rauchman’s, immersif à 4 x 4 pieds, invite le spectateur à piquer l’illusion. La pelouse au-delà de la fenêtre est un espace profond et réel différencié des toiles moins profondes sur le mur à côté. La lumière réfléchissant sur le sol crée une surface hyperréale – l’air en studio est palpable.
Secor définit son monde mais plus une couleur et une texture intenses que l’illusion. Sa palette est tout à fait unique, employant Sherbet-Orange et Pepto Bismol-Rose comme des teintes de base où d’autres artistes pourraient utiliser le bleu ou le vert. Dans « Hanging Guitar », la lumière jaune pâle se déverse de la vue de Montpellier à l’extérieur – avec un ciel de corail et une bosse de chameau turquoise en arrière-plan – sur le rebord de la fenêtre vert et rose, illuminant juste les bords des peintures penchées dans une pile à proximité. Le poteau vertical d’une lampe divise la toile de 3 par 4 pieds presque en deux. Dans une section, une sous-tension en bleu vif montre à travers, sans définir un objet mais créer une poussée inattendue qui est cruciale pour la composition inhabituelle.
La lumière jaune revient dans « Cochran’s », cette fois tombant en rayures sur les tables du ski lodge, jouant contre d’autres rayures et encore plus de rayures: Diagonales à droite et à gauche, la tenue d’un skieur, les arbres à l’extérieur. La scène de 4 par 5 pieds devrait être complètement vertigineuse, mais au lieu de cela, le spectateur est repris par la géométrie étrangement cohérente de la scène et des figures en son sein. Un garçon regarde directement le spectateur sur un sandwich; Les visages à moitié ombragés des autres semblent isolés et pensifs pour un lieu si heureux.
De l’autre côté de la galerie, tout ce qui se passe dans le « seul chien » d’Anne Davis est tout aussi énigmatique. La grande toile montre un groupe de personnes dans un bar, leurs caractéristiques définies à peine, presque comme des dessins animés, mais avec une telle nuance que la scène est émotionnelle et obsédante, les chiffres accusatoires. Le chien au centre de la peinture regarde avec alarme quelque chose que nous ne voyons pas.
Comme Davis l’a noté lors de la réception d’ouverture, elle peint beaucoup les tables: des gens à des tables, des gens qui mangent. La visualisation de ses peintures n’est pas différente d’être invitée lors d’un dîner où tout le monde a une histoire: vous ne savez peut-être pas ce qui se passe, mais vous savez que quelque chose est.
Les œuvres de Davis virent souvent dans le surréaliste, comme avec le «dîner de poisson», dans lequel une femme, un chat et un chien semblent avoir remis leur repas à une famille d’ours. Jusqu’à une semaine avant le spectacle, Davis a déclaré à la réception, les chiffres étaient humains, mais elle s’ennuyait avec eux. Elle voulait mettre des ours dans une peinture, et il était clair pour elle qu’ils appartenaient à celui-ci. Chacune de ses œuvres utilise ce type d’associations ouvertes pour créer de nouvelles possibilités narratives.
L’une des choses que l’art fait le mieux est de présenter une nouvelle perspective sur quelque chose de familier, et il y a une méta-version de cet effet dans ce spectacle. L’arbre de Secor (Capitole du soir) « immense la maison d’État et le bâtiment de la Cour suprême, mais ils sont éclipsés par un arbre massif et multicolore; Une pelouse turbuleante et une montagne turquoise qui s’élève derrière lui fournissent une toile de fond électrique. Il est surprenant de voir une vision aussi nouvelle et différente du complexe du Capitole autant qu’elle est la bienvenue de voir un changement dans la programmation de la galerie, surtout si le résultat est des spectacles comme celui-ci.
À la réception, Schutz a dit aux visiteurs de placer leurs propres points rouges ailleurs: il avait déjà acheté cette pièce.
