Tirer deux personnes dans un drame peut nous montrer ce qui les a connectés, à condition que la connexion soit toujours étincelante. La dramaturge Erin Breznitsky sépare un scientifique marié et son mari d’astronaute de la manière la plus monumentale: il est perdu dans l’espace pendant sept ans, puis trouvé vivant. La majorité de Satellites dépeint le Golfe que le temps a fouillé entre eux, et la production du Dorset Theatre Festival transmet une telle distance physique et émotionnelle que leur réunion pourrait être plus triste que leur séparation. Les voyages spatiaux sont plus allégoriques que la science-fiction dans cette exploration du temps, de la mémoire et de la proximité humaine.
L’ensemble, les projections, l’éclairage et le son de la production établissent un style conceptuel puissant. Le public arrive pour trouver un mur de planches bleu foncé orageuses en bas. La première scène, dans laquelle Mike et Katherine sont réunies à la NASA, se joue contre le vide impitoyable du mur: une abstraction accrue au contrepoint au dialogue réaliste.
Pour la scène suivante, la toile de fond roule pour révéler une boîte profonde avec des murs solides des mêmes planches bleues. Les meubles roulent et s’éteignent, souvent à travers des écoutilles qui se balancent ou des portes qui s’ouvrent. Les accessoires réalistes sont utilisés avec parcimonie. Deux personnes vont et viennent, mais la boîte est tellement plus grande que tout ce qui le traverse que nous voyons largement le vide.
Pendant une grande partie de la pièce, le vide est l’histoire, et notre inconfort avec le vide est l’expérience que le dramaturge, les interprètes et le réalisateur semblent vouloir offrir. Je me demande si la pièce réussit à un objectif étrange et troublant ou échoue à un objectif romantique. Le jeu de Breznitsky a été créé en 2023, et elle l’a travaillé depuis; Le texte a évolué davantage lors des répétitions au Dorset. Il peut continuer de changer, se déplaçant vers une histoire extrêmement tendre qui n’a fait que faire allusion maintenant ou conserver le sentiment de désolation que je ressentais.
Satellites se compose de vignettes non chronologiques, y compris des flashbacks de Mike et Katherine qui tombent amoureux et font face à des décisions de carrière et de parentalité. Ces scènes ont de la chaleur et de l’humour, mais nous les voyons à travers l’objectif de ce qui sera perdu. La partie troublante est que ces charmantes flashbacks bien conçues ne nous font pas aspirer aux personnages pour récupérer ce qu’ils avaient.
En revanche, les scènes dans lesquelles Mike et Katherine envisagent de reprendre leur mariage après l’énorme temps qu’ils ont passé à part sont des rencontres creuses. Les personnages sont réticents, dans les limbes, et ce n’est que vers la fin que le dramaturge introduit un conflit sur l’acceptation de la fin de la relation. Structurellement, ce combat arrive trop tard – un spectateur peut avoir abandonné depuis longtemps ce couple. Émotionnellement, la scène est le pic de la pièce.
Toutes les autres scènes post-retour laissent les personnages si raides avec une incertitude que la production a du mal à trouver un élan. De la première scène de retrouvailles, Mike et Katherine ne veulent pas se toucher. Peut-être que le dramaturge l’intention comme une expression vive de la distance, mais elle va à l’encontre de l’impulsion écrasante de ressentir la chaleur de quelqu’un qui a manqué, sentir que quelqu’un est réel. Breznitsky coupe cet instinct, mais si ses personnages ne veulent pas de contact, ils ne veulent vraiment rien.
Pourtant, cette boîte vide est parfois remplie d’éloquence. Les scènes solo pendant la séparation approchent une magie lyrique. Katherine est assise à l’extérieur en regardant le ciel nocturne, parlant à Mike sur un symbole de communication, le moniteur de bébé qu’ils ont acheté ensemble avant de partir. Mike décrit la grâce de l’orbite autour de la terre et l’instabilité psychologique d’être seul assez longtemps pour remettre en question sa réalité antérieure.
Christopher Lowell, en tant que Mike, et Kerry Bishé, en tant que Katherine, sont toujours fascinants à regarder. Lowell fait de la lutte de Mike pour la réorientation une bataille interne difficile, avec un poignance silencieux. Et sa représentation de la romance de Mike avec Katherine révèle l’humour cool du personnage ainsi que sa très chaleureuse attention à une femme difficile à charger. Tout au long, Lowell garde Mike difficile à prévoir, avec tous ses sentiments à risque d’être enterré ou dangereusement exposé.
Bishé est arrêté dans les monologues qui ont parlé aux étoiles au cours de l’absence de sept ans de Mike. Elle laisse l’intimité de la nuit et la cause perdue du ciel lointain donne le courage du personnage de faire face à une tristesse qui se sent aussi irréel que la fin inconnue de Mike. Et dans les flashbacks lorsque Katherine interagit avec Mike, Bismé transmet des renseignements chatoyants qui sont d’abord ce qui attire Mike et plus tard ce qui l’équivasse pour le pleurer.
Bishé et Lowell sont mariés dans la vraie vie, qui, ironiquement, pourraient leur permettre de mieux résister au dialogue détaché de l’émission. Certes, les artistes et le texte sont à leur meilleur dans le même combat qu’ils ont, quand les conflits pourraient enfin les rassembler.
La réalisatrice Adrienne Campbell-Holt déplace les acteurs avec une grande attention à l’espace. Les jeunes Mike et Katherine s’assoient près les uns des autres sur une vaste plage, puis, de nos jours, gardent leurs distances dans une réconciliation qui ne peut pas commencer. Campbell-Holt fait un usage subtil des symétries du script au fil du temps, reliant des épisodes décousus en une histoire fluide et compréhensible. L’humour se démarque comme de petits bijoux dans un texte de ruminations profondes.
En utilisant de petits détails à l’intérieur de grands espaces, le designer pittoresque Alexander Woodward fonde chaque scène avec un soupçon de réalité tout en gardant les grandes abstractions de la pièce le centre visuel. Un patio la nuit, par exemple, n’est rien de plus qu’une chaise de jardin, une lumière extérieure sur un mur et une porte coulissante blanche. Mais autour des acteurs se trouvent des projections, par Joey Moro, qui capturent la faible lueur d’un ciel nocturne et font allusion à l’infini de l’espace. La créatrice d’éclairage Masha Tsimring et la créatrice de son Hidenori Nakajo produisent des effets étonnants qui surprennent, apaisent et défient le public.
La pièce n’a qu’une seule ligne, et un geste, qui expriment la passion de la connexion. Satellites Utilise des méthodes innovantes pour montrer le voyage doux et tremblant vers une relation et le cratère qui se forme avec sa perte. Bien qu’une fin heureuse soit trop facile, le vide ici est aussi sombre que l’espace. À moins que ce geste ne soit tout ce qui compte.
