TLe papier journal que vous tenez dans votre main, si vous lisez ceci sous forme imprimée, est à la fois art et technologie. Il se plie facilement, se déchire, s’organise en sections, se manipule. Il absorbera l’encre que vous utilisez pour remplir les mots croisés, et lorsque vous aurez fini de lire les nouvelles, vous pourrez allumer le poêle à bois avec. Il peut sembler solide et rassurant à l’ère du défilement, mais vous oubliez qu’avant d’être pressé ou imprimé, ce papier était liquide.
L’artiste de North Bennington Michelle Samour présente le papier comme support sculptural dans « Paper Transformed : Artists Exploring Colored Pulp », qu’elle a organisé au musée Elizabeth de C. Wilson du Southern Vermont Arts Center à Manchester. L’exposition, visible jusqu’au 29 mars, présente les œuvres de sept membres, dont Samour, du collectif « Pulparazzi », des artistes qui utilisent de la pâte humide, liée à des pigments minéraux ou synthétiques, pour construire des surfaces, couler des formes et saturer leurs créations en papier de couleur.
L’exposition tire pleinement parti des grandes galeries aérées du Wilson Museum pour présenter plusieurs installations tentaculaires de la taille d’un mur. L’un d’eux, « Terre du lait et du miel : témoin » de 10 pieds sur 20 pieds de Samour, est composé de formes plus petites en dentelle dans des tons d’or, de rouge et de bleu sarcelle riches, fixées au mur avec des épingles à spécimen. Samour les crée en dessinant avec des bouteilles compressibles – pensez au ketchup du restaurant – remplies de pulpe fondante. Une fois séchée, la cellulose devient souple et translucide, comme une peau.
Dans une vidéo présentée parallèlement à l’exposition, Samour démontre son processus et parle de ses créations, qui semblent flotter sur le mur comme des cellules sous un microscope. « Le papier est un matériau vivant et respirant », dit-elle. « Cela me semble être le matériau parfait à utiliser pour créer ces formes organiques et très liées au monde vivant. »
Bien que certaines des autres œuvres de Samour fassent principalement référence au biologique, celle-ci donne à ses dessins une tournure politique : elle a basé ses formes en boucle sur des cartes d’Israël et de la Palestine. Chacun est d’une couleur unie, décoré de petits points blancs ou colorés ressemblant à des symboles qui défendent contre le mauvais œil. La combinaison de ces éléments – frontières créées par l’homme, pratiques culturelles anciennes et formes organiques apparemment naturelles – offre une nouvelle perspective sur les questions de déplacement et de diaspora, brouillant les frontières entre géographie, biologie et patrimoine.
A côté de l’installation de Samour, non moins politique, réalisée à Buffalo, NY, le papetier Peter Sowiski s’accroche plus lourdement au mur. Images « A-!0 », sur une grille de 6 pieds sur 20 pieds composée de 12 grandes feuilles de papier faites à la main, un avion de combat A-10 « Warthog » Thunderbolt II en silhouette. Chaque panneau comprend un petit schéma avec un point rouge indiquant sa position dans l’ensemble de la pièce, presque comme si l’installation faisait partie des instructions d’un kit de modèle réduit d’avion.
Ce qui rend l’œuvre si saisissante, outre son ampleur, c’est la noirceur atteinte par Sowiski. Plutôt que d’être peinte ou dessinée sur le papier, l’image fait partie du papier, fabriqué à partir de pâte noire. Cela lui donne la densité profonde d’un vide solide, un lieu où le néant apparaît menaçant sur un fond enfumé.
Les petites œuvres de Sowiski exposées créent également un commentaire à travers la silhouette, comparant directement les formes sombres des armes à celles des lieux de culte. L’échelle monumentale et la puissance intrinsèque de la technologie militaire, semble dire Sowiski, lui ont permis de supplanter les lieux de culte.
Dans la galerie adjacente, à Jamestown, RI, le sculpteur Joan Hall évoque une portée encore plus grande avec « Sailing on a Sea of Heartbreak », une installation de 10 pieds sur 35 pieds qui positionne le spectateur sous l’eau. De longs brins de papiers pigmentés et imprimés, des morceaux de verre reliés entre eux par du fil métallique et, selon l’étiquette, « des détritus en plastique provenant d’un sous-marin, des coquilles d’huîtres, des écailles de poisson » créent une forêt de varech sur tout un mur.
Hall déploie savamment la spécificité et la confusion pour créer quelque chose qui semble venir de l’océan. Des boules, des coquillages et des feuilles soigneusement découpées sont reconnaissables dans le marécage, tandis que d’autres éléments, tels que des bandes de grillages imprimés, pliés et coupés, ne sont pas clairement une seule chose : il peut s’agir de papier ou de plastique, étiré ou solide, manufacturé ou naturel. Des touches inexpliquées de bleu ou de violet côtoient des verts translucides et des rouges profonds. De loin, les fibres du papier forment une brume semblable à celle d’une algue. La pièce est à la fois triste et belle, évoquant un royaume océanique au bord de l’effondrement écologique.
Shannon Brock, de Montgomery City, Missouri, change complètement la vue, nous amenant au-dessus des nuages avec « The Angel’s Perspective ». Des boules rondes de différentes tailles, chacune peinte de triangles colorés comme les sections d’une orange, dépassent du mur en grappes ; bien qu’ils semblent abstraits, ils sont destinés à représenter l’apparence des montgolfières d’en haut. Même si vous ne savez pas nécessairement que les pièces sont creuses, elles semblent avoir une légèreté gonflée et un ton aérien et joyeux qui constitue un joli contrepoids à certaines des œuvres les plus enivrantes de l’exposition.
Colesville, Maryland, l’artiste Lynn Sures nous ramène sur terre, et plus encore, avec « Printed Through Time and Space » : 98 morceaux de pâte à papier qui ondulent sur le mur, empilés à la manière d’un salon, chacun avec une empreinte colorée d’un pied. Ils sont plus grands que nature, chacun mesurant près de 24 pouces de haut, rappelant les images thermiques dans leurs bleus cobalt, verts émeraude, violets et rouges sur fond sableux. Le papier est gaufré de tourbillons et de verticilles comme une empreinte digitale. Les pieds, explique une étiquette, sont basés sur des empreintes fossilisées faites par les premiers humains parcourant le même itinéraire en Afrique de l’Est il y a des millions à des dizaines de milliers d’années, laissant des traces de leur mouvement dans les cendres humides ; il note que « toute personne vivante aujourd’hui descend de ces ancêtres communs ».
L’œuvre provoque un sentiment d’histoire commune et de connexion avec le matériau présent dans toutes les œuvres de l’exposition et peut-être plus évident dans une exposition informative où les artistes fournissent des échantillons de leurs œuvres que les visiteurs peuvent toucher et tenir. Le contact direct avec les formes et les textures qu’ils ont créées avec de la pâte à papier offre un contraste intime avec l’ampleur des installations. Peut-être que cela rappellera aux lecteurs que pour vivre une expérience complète, il faut prendre le journal. ➆
«Paper Transformed: Artists Exploring Colored Pulp», visible jusqu’au 29 mars au Elizabeth de C. Wilson Museum, Southern Vermont Arts Center, à Manchester. Réception de clôture avec remarques des artistes, dimanche 29 mars, de 15 h à 17 h
