La dyade rimée « flower power » est un retour à la culture hippie des années 1960 et aux manifestations contre la guerre. Mais l’expression pourrait tout aussi bien faire référence à la merveille de la floraison de la nature chaque année. Une autre expression ancienne – « l’espoir est éternel » – suggère que les fleurs symbolisent l’optimisme envers et contre tout. Et qui ne pourrait pas l’utiliser en ce moment ?
À la galerie Phoenix à Waterbury, une exposition intitulée simplement « Flora » offre plus qu’un coup de poing saisonnier dans le psychisme. Le propriétaire et conservateur de Phoenix, Joseph Pensak, et le co-commissaire TR Risk ont rassemblé les œuvres de neuf artistes du Vermont qui présentent une myriade de réponses – et parfois inattendues – au thème.
Peut-être qu’aucun des artistes n’embrasse plus le pouvoir des fleurs que Kelsey Telek. Son dessin au crayon de couleur « KT X TR » attire immédiatement l’attention du visiteur – il s’agit sûrement du plus grand chrysanthème incurvé intermédiaire jamais rendu. « Je suis inspirée par la façon dont différentes fleurs parlent à différentes personnes », déclare l’artiste basée à Waterbury sur son site Internet. « Je capture les fleurs qui me parlent… »
Telek prend cette inspiration au sérieux et méticuleusement. Son dessin de 43,5 x 35,5 pouces révèle chaque pétale succulent et déployé de la maman dans des teintes violet clair. Le passe-partout est par ailleurs intact, laissant cette merveilleuse fleur flotter sans attache dans l’espace blanc. Le « TR » dans le titre de l’œuvre fait référence à Risk, qui a construit son cadre en bois sombre et créé lui-même près d’une douzaine d’œuvres dans cette exposition.
Alison Scileppi, une autre résidente de Waterbury, a également pris à cœur le thème de la « Flore ». Selon Pensak, il s’agit de sa première exposition publique, mais un spectateur ne le devinerait pas à cause de la confiance exubérante de « Midsummer », sa peinture sur toile de 30 x 30 pouces. Des fleurs rouges, jaunes et magenta dansent avec abandon sur un fond turquoise, comme si l’artiste avait suspendu la saison dans du gel pour toujours. (À bien y penser, pourquoi personne n’a-t-il inventé les globes de fleurs ?)
La peinture n’est même pas le travail principal de Scileppi. Propriétaire de Dora Blue Design, elle fournit des services de coordination et de conception d’événements et est mère de deux enfants. Il n’est pas surprenant d’apprendre qu’elle est également jardinière et créatrice de fleurs. « Midsummer » est une peinture pour garder l’espoir tout au long de l’hiver.
Risk, principalement un fabricant de meubles avec des clients dans tout le pays, adopte une approche tout aussi constructive de la peinture. En construisant d’épaisses couches de peinture acrylique – et souvent de la terre, du sable, de la sciure ou des détritus botaniques – il crée des groupements clairsemés de fleurs stylisées qui ressemblent à des bouffées de pissenlit. Sa palette vire vers des teintes sombres et terreuses, dans lesquelles les fleurs apparaissent fantomatiques. Mais il égaye certaines œuvres avec des lavis de couleurs, comme l’horizon doré dans « Sky on Fire » de 48 x 55 pouces.
En plus de ses œuvres encadrées dans « Flora », dont la taille varie de quelques pouces à plus de 10 pieds, les meubles et autres peintures de Risk peuvent être vus dans son atelier au fond de la galerie. Les tables à l’intérieur du Phoenix sont également ses créations.
L’artiste de Waitsfield, Frankie Gardiner, est connue pour ses peintures brossées et éthérées, dans lesquelles les formes sont douces et parfois impénétrables. Dans l’une de ses deux œuvres présentées dans cette exposition, la jolie « Lune verte » de 30 pouces carrés, nous discernons des fleurs rouges à travers un flou myope, sans racines ni lois de la gravité. Dans « White Violet » de 14 x 11 pouces, l’artiste présente une seule fleur comme une peluche impressionniste, avec un cadre de verdure et un morceau de ciel bleu. Gardiner semble ressentir l’essence intangible de l’être et la transmuer en peinture.
Les quatre abstractions géométriques d’Annemarie Buckley contrastent fortement. Le graphiste basé à Burlington a le sens de la typographie, des lignes nettes et des couleurs vives. Il faut de l’imagination pour voir comment ses compositions en blocs s’adaptent au thème de « Flore », mais les titres fournissent des indices. L’acrylique « Blue Mountains, Red Earth » de Buckley de 30 x 24 pouces invite le spectateur à visualiser son sujet ostensible comme autant de triangles, de rectangles et de carrés. Appelez cela un paysage en termes mathématiques.
De même, les trois collages abstraits en techniques mixtes de Linden Eller sont tous intitulés « Unknown Bouquet » (numérotés 2, 3 et 4). Bien que les œuvres ne ressemblent pas à des fleurs, l’artiste basé à Mount Holly incorpore des pétales, ainsi que du papier, de l’acrylique, du graphite, du pastel, un crayon de couleur, un bâton d’huile, du fil, de la dentelle et du vélin. Ce mélange inventif, qu’elle appelle « architecture de la mémoire », semble à la fois spontané et soigneusement assemblé. « Elle considère son travail comme des enregistrements de terrain superposés qui représentent une unité », peut-on lire sur le site Internet d’Eller. « (Il offre) de multiples perspectives et répétitions de la même histoire partagée. »
L’artiste du Middlesex, Axel Stohlberg, est connu pour ses assemblages architectoniques en bois et en matériaux trouvés, mais il étudie sans relâche de multiples médiums et formes élémentaires. Ses contributions à cette exposition sont trois « dessins nocturnes » de 13 pouces carrés. Rendues au pastel blanc sur papier noir, les petites formes ressemblent à des images spectrales de quelque chose que seul un botaniste pourrait peut-être identifier.
Tout aussi énigmatique et sombre mais aussi très scintillant est « Demeter », de Milton Rosa-Ortiz. La technique remarquable de l’artiste de Burlington consiste à coller des cristaux Swarovski sur les pointes d’épingles en laiton noirci, qui sont ensuite disposées sur du velours noir selon un motif destiné à représenter la déesse grecque des récoltes et de l’agriculture – plus précisément, écrit Rosa-Ortiz, « un médaillon d’Afghani ». coquelicots. » L’ouvrage « aborde la persécution des bahá’ís » dans ce pays.
L’importance de l’image peut être perdue pour les spectateurs qui ne lisent pas la description de Rosa-Ortiz, mais sa beauté et son processus minutieux sont indéniables. En prenant du recul par rapport à la pièce, il est plus facile de distinguer les formes des coquelicots, ainsi que la petite carte de l’Afghanistan rendue en cristaux rouges.
Deux sculptures de Kristy Hughes, situées dans les vitrines de la galerie, n’ont aucune signification politique apparente. « Acoustic Mirror » et « Home Is Between Your Teeth » sont des assemblages colorés et non représentatifs de pâte à papier, de papier mâché, de colle et de bois faits à la main trouvés à Rock Point à Burlington.
L’artiste né au Texas est actuellement maître de conférences à l’Université du Vermont. Son travail « embrasse des conceptions personnelles d’autonomisation, de gratitude et l’acte fondamental de prêter une attention particulière », selon sa déclaration d’artiste en ligne, tout en s’inspirant de sa lignée hispanique, autochtone et allemande. Mais ce qui est plus évident pour le spectateur, c’est la vision dynamique et le sens de l’amusement exaltant de l’artiste.
