Wous avons vu beaucoup d’expositions d’art cette année. Alors que les expositions individuelles nous donnent l’occasion de plonger profondément dans le travail d’un artiste et de lui consacrer beaucoup de mots, les expositions collectives ne nous permettent pas toujours de discuter de l’art de chacun, ou du moins pas avec autant de détails que nous le souhaiterions. Nous avons donc voulu mettre un peu plus en lumière sept artistes issus d’expositions collectives que nous avons couvertes en 2025. Ils pratiquent dans toutes sortes de médias, de la photographie à la céramique, et valent bien la peine d’être observés au cours de la nouvelle année.
Emily Piccirillo
Tout ce qui brille n’est pas de l’or : en mars, des œuvres d’art en argent ont investi la galerie principale du Studio Place Arts à Barre pour célébrer le 25e anniversaire de l’organisme. L’un d’eux, «Below Zero» d’Emily Piccirillo, a interprété le thème comme une peinture d’arbres nus se découpant sur un ciel d’hiver gris et sourd. Comme beaucoup d’œuvres de Piccirillo, la toile n’était pas traditionnellement tendue mais suspendue à un cadre métallique dépassant de quelques centimètres du mur. Une poignée de cordes le long de son bord resserrait le tableau, comme une peau sur un tambour.
Le portfolio de l’artiste de Burlington est une série de variations sur la forme de cette peinture : ciels, arbres, cadres. De nombreuses pièces présentent un ciel d’été d’un azur profond, des nuages blancs gonflés ou des orages grandissants. Certains sont monumentaux et singuliers, comme « Crush », qui représente un nuage archétypal dans un ciel bleu ; d’autres, comme « Flush », présentent de multiples vues du ciel au fil du temps, au coucher du soleil. Le style de Piccirillo semble presque photographique dans sa précision, mais ses ciels sont imprégnés d’une luminosité picturale. De nombreuses toiles sont également peintes avec des couleurs saturées au dos, donnant un éclat aux murs derrière elles.
Aimée Papazian
En mai, j’ai été frappé par l’installation « Which End Is Up ? II » d’Aimée Papazian dans « Signals » au K. Grant Fine Art, dernière exposition avant la fermeture de la salle de Vergennes. Les minuscules arbres, maisons, oiseaux et voitures en céramique de Papazian défilaient sur des étagères de style topographique qui dépassaient du mur et même du plafond, comme si les habitants d’un modèle architectural étaient partis à l’aventure.
L’installation de Vergennes était une version d’une Papazienne présentée au National Museum of Women in the Arts de Washington, DC, dans le cadre de « New Worlds : Women to Watch 2024 », qui présentait des artistes régionaux. Papazian représentait l’Arkansas, où elle vivait avant de déménager à Burlington en 2022. La pièce évoque un sentiment de déconnexion d’un monde déconcerté pendant la pandémie.
De nombreuses installations de Papazian sont des murmures de choses : une sculpture publique dans une bibliothèque de l’Arkansas est un essaim de clés en céramique qui semblent onduler et s’élever dans les airs au-dessus d’une cage d’escalier. D’autres sont de véritables nuages de mots : des versions 3D de texte cursif, en boucle et à peine lisible, suspendus devant un mur. L’une de ces dernières, installée dans son studio pour le South End Art Hop de Burlington, a l’air parfaitement élégante mais dit : « chut, juste un autre connard ».
Jordan Douglas
Cet automne, le photographe de Jéricho Jordan Douglas était partout. Peu de temps après avoir vu son travail à Calais’ Art at the Kent, nous nous sommes rencontrés lorsqu’il organisait l’exposition Rachel Portesi au Saint Michael’s College de Colchester, où il enseigne la photographie. Peu de temps après, ses photos ont été incluses dans « Do We Say Goodbye ? Grief, Loss, and Mourning » au BCA Centre de Burlington. (Attrapez-le avant le 24 janvier si vous ne l’avez pas encore fait.)
Douglas a réalisé des centaines de photographies d’objets ayant appartenu à ses parents, dont beaucoup sous la forme de grilles de contact comportant de multiples images. Au Kent, il a montré des photos prises alors qu’il nettoyait la maison et le studio de son défunt père ; à BCA, les souvenirs provenaient de sa mère.
Les deux collections véhiculent l’absurdité de connaître ou de ne pas connaître ses parents, un sentiment si familier à ceux qui pleurent leur perte. Certains objets, comme des ciseaux ou des bouts de crayon, sont génériques mais communiquent l’absence de main. D’autres – un camion jouet usé, un bidon d’huile – sont impénétrables. Parmi les objets de sa mère se trouve l’étoile de David qu’elle portait lorsqu’elle était enfant dans l’Allemagne nazie, un rappel important du traumatisme que nos affaires peuvent contenir.
Chiara Non
Le mois dernier, Chiara No a clôturé une exposition personnelle au Field Projects à New York et en janvier, elle ouvrira une exposition en duo au Aldrich Contemporary Art Museum dans le Connecticut. Mais j’ai vu son travail dans une exposition de 22 artistes dans un lieu de Waitsfield : « Earthen » au Mad River Valley Arts en juin.
L’artiste Johnson a fourni des cloches en céramique représentant des démons et inspirées d’objets en terre cuite de l’ancienne Béotie, dans la Grèce actuelle. Les cloches font partie d’un ensemble plus vaste d’œuvres explorant les intersections du mythe et de la domesticité.
Les figures de No, quant à elles, capturent la qualité troublante des antiquités à la croisée de l’art, de la fonction, de la spiritualité et de la superstition – des objets que nous ne comprenons pas vraiment mais qui suscitent un profond sentiment de reconnaissance et de révérence. Ils ont de nombreux yeux ou de nombreux seins, des éléments animaux et une décoration finement détaillée. Pourtant, No met également à jour ces personnages, en leur donnant des sandales aux couleurs vives ou, dans le cas de « Idol (The Sybil) », un chapeau en mortier décontracté avec de nombreux pompons.
L’artiste réalise des tapis — qu’elle décrit sur son site Internet comme des barrières de protection et des objets de transition — ainsi qu’une série de batteurs de tapis dotés de poignées en métal dont les formes suggèrent des mots. Sa pratique dans son ensemble allie légèreté et profondeur intellectuelle et propose un nouveau regard sur l’ancien.
James Secor
Je connais James Secor depuis une décennie, puisque nous étions tous deux membres du collectif de la galerie Front à Montpellier. Cela a été formidable de voir son travail et sa carrière de peintre décoller, notamment à « Spaces & Places », que j’ai vu en juillet à la Vermont Supreme Court Gallery.
La palette des lieux Secor vous saisit immédiatement. Le rose barbe à papa, le jaune beurre, l’orange sorbet ou le turquoise ICEE sont souvent au premier plan, mais ils côtoient de manière cohérente des bruns, des gris et des verts foncés plus sombres. La texture joue un rôle encore plus important. Les rayures abondent sur le trottoir, sur les vêtements et dans les ombres ; l’artiste montpelliérain gratte une couleur pour révéler une teinte différente en dessous ou construit des couches qui vibrent sur les bords avec une nuance inattendue d’autre chose.
Tout cela est au service de scènes qui varient des paysages aux villes en passant par les intérieurs et sont toujours un peu bizarres. Les personnages de Secor partagent souvent l’espace tout en restant solitaires – perdus dans un téléphone, une émission de télévision ou leurs propres pensées. Il dessine d’après nature, ce que l’on peut voir dans ses compositions : la lumière de ses paysages est crue et vive, les angles un peu décalés. Les objets que de nombreux peintres évitent – les lignes électriques, les parcomètres, les barrières routières – ont tendance à être les plus belles parties du tableau.
Veronica et Pham
J’ai vu pour la première fois le travail de Veronica Y Pham en septembre, lors de l’exposition Art at the Kent à Calais. Mais une de ses œuvres a attiré mon attention des mois plus tôt : en avril, elle a donné un atelier de fabrication de papier vietnamien au Generator Makerspace à Burlington pour commémorer le 50e anniversaire de la chute de Saigon.
Même si je n’ai pas pu assister à l’événement, j’ai été très heureux de découvrir son travail en personne plus tard dans l’année. L’artiste de Burlington a contribué à plusieurs installations au Kent : en bas, elle a tendu un filet en ficelle de mûrier fait à la main dans un petit couloir. Il projetait des ombres sur les murs et le plafond, ajoutant ainsi aux textures du bâtiment. Une autre sculpture présentait des plats, théières incluses, fabriqués uniquement à partir de fibres de papier diaphanes.
A l’étage, son installation « lettres, gia đình ba » a investi une salle pleine du musée. Des banderoles verticales en papier bougeaient au gré de la brise. En regardant de plus près, vous pouviez voir des filigranes d’écriture manquante, écrites en vietnamien et pas tout à fait lisibles. Pham a retracé l’écriture de son père lorsqu’elle a rédigé le papier, effaçant ses mots et laissant la lumière briller à travers eux. Son utilisation de la matière rend l’œuvre poétique et poignante sans qu’on ait besoin de savoir ce qui a été dit.
Julia Jensen
Le Vermont compte plus que sa part de peintres paysagistes par habitant, qu’ils aient déménagé ici pour le décor ou qu’ils aient été déplacés pour peindre. par il. En partant voir trois expositions de petites œuvres de vacances ce mois-ci, je m’attendais à de nombreuses vues panoramiques de peintres accomplis. Julia Jensen, dont le travail est exposé à Edgewater on the Green à Middlebury, est l’une des meilleures.
L’artiste, qui partage son temps entre le sud du Vermont et Nantucket, a une approche juteuse de la peinture, créant des œuvres au style libre et gestuel. Elle maintient la profondeur et la densité – les peintures sont travaillées et réfléchies – tout en transmettant une main rapide et expressionniste. Les peintures oscillent à la frontière entre paysage et abstraction.
Dans « The Sound of Crows », présenté dans l’exposition de petites œuvres d’Edgewater malgré sa taille de 40 x 40 pouces, un ciel flou en étain communique l’humidité. Des stries jaunes vives sur un champ de vert créent un contraste absurde tout en restant parfaitement précises. La confiance de l’artiste dans ce qu’elle voit transparaît haut et fort, rendant ses scènes à la fois crédibles et magiques, tout comme le Vermont.
La version imprimée originale de cet article était intitulée « Ceux à surveiller | Artistes remarquables du Vermont à surveiller en 2026 ».
