Le jazz, plus que de nombreux médiums, favorise une étrange synchronicité. Les riffs improvisés semblent se présenter dans de nouvelles directions frénétiques, puis se réunir pour se rencontrer de manière inattendue, parfois plus silencieuse. Cette qualité fait écho à « Unity Revolution: la couleur est le message » « Le spectacle de cet été au Bundy Modern à Waitsfield, où les biographies des artistes résonnent autant que leur travail.
L’exposition associe Diana Pumpelly Bates et Peter Bradley, qui sont toutes deux des artistes noirs dans les années 80 (Bradley est né en 1940, Pumpelly Bates en 1938) qui est devenue connue pour leurs peintures et sculptures abstraits dans les années 1960 et 70. Ni l’un ni l’autre n’a eu le succès de carrière soutenu qu’ils auraient pu apprécier sans certains des vents contraires racistes qu’ils ont rencontrés très tôt. Plus récemment, les deux ont attiré l’attention critique des conservateurs, des galeristes et des cinéastes désireux de faire entrer leur travail aux yeux du public.
Cela comprend Bridget R. Cooks, conservateur et professeur à l’Université de Californie à Irvine, qui a proposé de montrer le travail de Pumpelly Bates au Bundy Modern. Cooks a d’abord appris l’artiste lorsqu’elle a enregistré une histoire orale avec elle pour le Getty Research Institute. Depuis lors, elle a déclaré lors de la réception d’ouverture: « C’était le rêve: pouvoir voir son travail ici où elle a enseigné à l’école, où elle a fait la plupart des peintures dans le spectacle – ici au Vermont. »
Plus précisément, les cuisiniers signifiaient ici à Waitsfield. L’arrière-grand-père de Pumpelly Bates était l’un des héros de la guerre civile les plus décorés du Vermont. Ses grands-parents ont acheté une ferme à Waitsfield, juste en bas de la route du Bundy Modern. Sa mère, Amelie, a grandi à New York et a épousé le prix de Harlem John Bates. En grandissant, Diana Pumpelly Bates a passé des étés dans la vallée de Mad River, avec certains des amis de ses parents, dont Ralph Ellison, qui a commencé à écrire Homme invisible sur la ferme Bates.
Pumpelly Bates a élevé ses enfants là-bas dans les années 1960, après s’être séparés de leur père, le musicien de jazz Art Blakey. Elle a enseigné des cours d’art au Bundy quand il était une école et avait une exposition solo au Bundy Museum – dans la même galerie que le spectacle actuel – en 1969. Elle a ensuite déménagé en Californie du Nord, où elle est finalement connue pour ses sculptures publiques dans toute la région de San Francisco.
Pendant ce temps, Blakey était de bons amis avec un autre jeune peintre: Peter Bradley. Bradley a grandi dans une maison de pension en Pennsylvanie où les légendes du jazz telles que Miles Davis et John Coltrane sont régulièrement restées sur le chemin de Pittsburgh. Il est devenu plus tard directeur associé chez Perls, un marchand d’art exclusif à New York, où il a vendu des œuvres de Pablo Picasso et Alexander Calder à des célébrités telles que Paul Newman et Greta Garbo.
En 1971, il a organisé « The De Luxe Show » à Houston, l’une des premières expositions d’art intégrées raciales du pays. June Anderson, qui dirige le Bundy Modern hors de sa maison avec son mari, Wendell, et qui a cocoré l’exposition avec lui et Cooks, a déclaré qu’elle avait commencé une feuille de calcul pour suivre toutes les connexions sauvages de Bradley.
Étrangement, Pumpelly Bates et Bradley ne s’étaient jamais rencontrés avant ce spectacle, mais leurs œuvres ressemblent à de vieux amis. Les visiteurs rencontrent d’abord «Untitled (Red and Orange) de Pumpelly Bates», «vers 1970, une toile en forme de diamant de 6 par 6 pieds. Un groupe de formes circulaires rouges, comme un zygote ou un chrysanthemum, flotte sur un fond orange saturé. Dans toutes ses peintures, Pumpelly Bates utilise la texture de la peinture pour définir les formes dans une teinte. Ce qui peut ressembler sous un angle comme une seule masse de rouge se résout en cercles plus petits à partir d’un autre, car la lumière se reflète de la peinture que l’artiste a gratté, peut-être avec une raclette ou un couteau, en formes circulaires.
Dans d’autres œuvres, comme «Untitled (Gold and White)», vers 1970, Pumpelly Bates définit encore ses formes avec des contours étroits. Ceux-ci offrent un indice léger mais indubitable à la figuration. Les cercles hors centre et les rectangles arrondis deviennent une famille, les têtes inclinées juste ainsi, les corps regroupés ensemble.
Lorsque Pumpelly Bates utilise une couleur limitée mais intense pour définir la forme, Bradley exerce une texture et une composition pour explorer la couleur. Depuis les années 1960, l’artiste fait des peintures de champs de couleurs, dans lesquelles la peinture s’impose dans la toile, mélangeant et fusionne et prenant sa propre direction. Avec Peter Bradleyun documentaire en 2023 sur l’artiste du cinéaste Alex Rappoport maintenant disponible sur PBS, montre Bradley au travail sur sa propriété à Saugerties, NY, étirant des toiles à l’extérieur, en les pulvérisant avec un tuyau de jardin et en versant de la peinture sur des seaux.
Bradley écoute toujours la musique lorsqu’il peint, généralement le jazz – Wendell Anderson a déclaré que Miles Davis était allumé lorsque les conservateurs ont visité son studio – et que ses peintures reflètent cela. La peinture semble être toujours en mouvement, avec des correctifs plus lourds ralentissant le rythme et éclaboussonne les choses. Toutes les peintures sont intitulées après les compositions de jazz. Dans le documentaire, Bradley explique que « chaque son a une couleur ».
Contrairement aux peintures de Pumpelly Bates, qui sont toutes des années 1960 et 70, une seule des œuvres de Bradley – « Belle Coast », 1973 – est de cette période; Les autres ont été réalisés au cours des cinq dernières années. Bien que la plus ancienne ait une palette plus tamisée, avec un champ de vert-jaune-jaunâtre grisâtre, il est clair que les préoccupations artistiques de Bradley – texture, flux et, surtout, couleur – n’ont pas changé sur un demi-siècle.
Cela est particulièrement visible dans « Turn Out the Stars II », une toile de 82 par 86 pouces où un blob rose dense se trouve au sommet des taches de couleur viticole, créant une distance entre le premier plan et le fond. Comme dans beaucoup de ses œuvres, des éclats de trucs – cendres, peinture, herbe séchée – ont trouvé une petite implication, compliquant la surface et tentant le spectateur à toucher.
Les deux artistes présentent également des sculptures dans le spectacle. L’albatros en acier inoxydable de Bradley et son « empire » en acier et son « Empire » se soudent les cotes et les extrémités. Les œuvres de Pumpelly Bates en laiton sont définitives et confiantes, en particulier «Yoni», la pièce maîtresse de six pieds de haut de la galerie principale, qui encadre les autres œuvres dans un contexte indubitable féminin.
Heureusement, les histoires des deux artistes sont racontées. Ils ont lancé des carrières au cours d’une période où les artistes noirs étaient principalement montrés dans le contexte de la race et n’étaient souvent pas accueillis dans des expositions sur l’abstraction. Voir leurs pièces dans cette galerie moderniste des années 1960 se sent bien. Comme l’a dit June Anderson, le Bundy, avec ses lignes formelles et son espace sans entraves, a été construit pour ce travail.
