Le site historique national de Kents Corner à Calais est un cadre pittoresque du Vermont : une taverne en brique du XIXe siècle avec quatre cheminées, une grange patinée par les intempéries, des collines vallonnées et une église en bois vieille de 200 ans à quelques pas par le chemin de terre. Ce n’est pas exactement ce que la plupart des gens imaginent lorsqu’ils pensent à l’art contemporain.
Depuis 17 ans, les commissaires Cornelia Emlen, Allyson Evans et David Schutz, tous résidents de Kents Corner, organisent chaque année en septembre l’une des expositions les plus attendues du calendrier. Ils ont récidivé avec « Illuminated Worlds », visible les vendredis, samedis et dimanches jusqu’au 6 octobre. Elle présente des dizaines d’œuvres de 24 artistes du Vermont, dont aucun n’avait été exposé au Kent auparavant.
Pour choisir le thème de cette année, les commissaires ont d’abord pensé aux livres, a déclaré Emlen. Une suggestion courante a été le changement climatique, un sujet d’une ampleur déconcertante pour un projet en grande partie mené par des bénévoles. Ils ont ensuite rendu visite à Stephanie Wolff, une artiste du livre de Norwich, qui leur a parlé des manuscrits enluminés. « Le mot «enluminé» revenait sans cesse chez différentes personnes », a déclaré Emlen, « ce qui nous a vraiment enthousiasmés, en pensant à l’intersection entre les livres et la météo et à tous ces différents fils conducteurs. »
Les œuvres de Wolff présentées dans l’exposition comprennent des livres d’artiste délicats tels que « Of the Air », qui présente des aquarelles d’environ 1,5 cm² représentant le ciel avec des descriptions imprimées : « Tolérablement froid », « Excessivement chaud », « Arcadien ». Ces termes proviennent d’entrées dans le journal intime d’une femme du XIXe siècle, que Wolff présente également sous forme de texte brodé sur une série de « pages » en lin, enluminées de minuscules carrés de courtepointe.
Le traitement de la météo comme un élément à la fois quotidien et vital est un fil conducteur de l’exposition. La météo est même intégrée au bâtiment historique : un graffiti au crayon dans l’une des salles à l’étage indique : « 18 janvier 1913, après-midi – il pleut beaucoup, il n’y a pas eu de neige et il n’y en a pas eu assez pour faire de la luge, la route est toute glacée. »
Comme les versions agrandies du ciel dans le livre de Wolff, les peintures de Michael Abrams sont tangiblement humides. « Walking Clouds », haute d’un mètre cinquante, accueille les visiteurs dès leur entrée dans la galerie et présente un ciel d’un bleu azur profond sur une suggestion de paysage brumeux. Contrairement aux descriptions minutieuses de Wolff, le temps qu’il fait chez Abrams engloutit le spectateur.
Sur le mur opposé, « Torn Curtain », une œuvre de 127 x 305 cm de Gerry Bergstein, présente un autre type de sublime. Sur du papier à œillets collé, une tornade de lignes noires tourbillonnantes décrit une apocalypse à l’échelle de la galaxie. Le bleu outremer transparaît à travers des déchirures apparentes, tout comme un dessin de l’univers. De temps en temps, un bâtiment ressemblant à un duomo en train de se désintégrer s’envole en spirale dans l’espace, et on peut voir quelques minuscules ouvriers du bâtiment en train de traîner dans ce qui semble être la fin des temps.
Bergstein présente plusieurs œuvres dans l’exposition, notamment les « Dithering Machines », qui occupent la taille d’un mur. Elles se trouvent au deuxième étage, dans l’une des deux salles au-dessus de l’ancien magasin général, que les visiteurs peuvent facilement manquer mais qui valent le détour. Les peintures « Giantess » de Misoo Bang, mesurant chacune un mètre sur un mètre, y sont imposantes et puissantes, à côté des sculptures pointues et délicieusement dangereuses de Sabine Likhite. Les œuvres interactives de Valerie Hird sont comme des décors de théâtre miniatures fabriqués à partir de livres. Elles s’illuminent lorsque le spectateur tourne une manivelle, ce qui constitue peut-être l’interprétation la plus littérale du thème de l’exposition.
Contrairement à une galerie en cube blanc, la Kent propose à ses commissaires un cadre stimulant : de nombreuses petites salles, des plafonds bas, des murs en plâtre et lattis (parfois sans plâtre), du papier peint vintage, des escaliers raides et un éclairage limité. Ce qui rend l’exposition Kent si amusante, c’est l’exploration et la recherche d’œuvres qui s’harmonisent avec ces circonstances.
Prenons l’installation en céramique de 3,60 mètres de long de Megan Bogonovich, qui occupe une petite pièce vert menthe et rose à l’étage. On dirait un récif de corail artificiel où une masse de créatures agite des appendices extraterrestres aux couleurs vives, éclatant parfois d’un vernis doré. Une créature rappelle un vieux récepteur de téléphone, d’autres des tournesols en plastique.
En installant son œuvre, l’artiste a déclaré qu’elle était fascinée par la nature environnante : « l’endroit sur ma route où l’arbre a été coupé plusieurs fois pour accueillir la ligne électrique, ou lorsque le champ contient des guimauves de foin. Je m’intéresse à l’endroit où les choses humaines et les choses végétales se rencontrent. »
La palette inhabituelle de Cameron Davis, qui intègre l’or, le bleu sarcelle et le rose, tout en restant sombre et mystérieuse, complète également étonnamment bien le lieu. Elle a contribué à l’exposition par de nombreuses peintures de grande taille, notamment « In the Garden », une peinture de 3 mètres sur 1,50 sur trois panneaux. Elle met en avant un fouillis luxuriant de mauvaises herbes, rétroéclairé par de l’or chatoyant. À l’extérieur, Davis a installé « Waxwing Medicine », un tissu peint diaphane dans un bosquet de cèdres qui capture la lueur de fin d’après-midi avec un effet similaire.
Les commissaires d’exposition équilibrent judicieusement les œuvres de différentes tailles. De grandes œuvres géométriques en papier découpé de l’architecte de Warren, John Anderson, partagent l’espace avec les minuscules sculptures organiques en boucles de papier de l’artiste de Brattleboro, Adrienne Ginter. Elle les fabrique à partir de morceaux jetés de ses petits mondes en papier découpé, également exposés.
Des déchets et des détritus ont inspiré « Plastic Polyps », l’installation de Rebecca Schwarz dans un grenier. Les spectateurs jettent un œil dans une grotte de feuilles et d’emballages en plastique, éclairée de l’intérieur et animée par un ventilateur. C’est d’une beauté envoûtante, même si c’est fait de déchets.
La photographe Li Shen utilise la lumière avec parcimonie dans ses natures mortes riches, chacune représentant des livres. Dans l’impression de 33 x 48 cm « Coral Fungus », le sol de la forêt consomme un guide des champignons. Shen, elle-même cueilleuse, a déclaré que le temps pluvieux de l’année dernière avait fait de cette année une année propice à la culture des champignons. Bien qu’elle ait créé la nature morte dans son sous-sol de Thetford, elle ressemble à une peinture hollandaise du XVIIe siècle, pleine d’ombres denses et de clair-obscur dramatique.
À l’extérieur du bâtiment, Nancy Winship Milliken renverse cette vision de la nature morte. « The Memory of Nature » est une accumulation de bois flotté et de plantes recouvertes de calcaire blanc éclatant, tels des os blanchis par le soleil.
« Cela évoque un peu le temps géologique », a expliqué Winship Milliken à propos de l’œuvre, dans laquelle elle a imaginé un habitat pollinisateur que l’eau a transformé en corail au fil des ans. À l’intérieur, sa sculpture « River Snag » est liée à une œuvre plus grande sur les récentes inondations du Vermont que l’artiste installera de manière permanente sur Main Street à Burlington.
Dans une autre œuvre extérieure, celle-ci interactive, Winship Milliken invite les spectateurs à « écouter la nature » et à insérer des mots de réponse dans un plateau de sable.
Cette année, les membres de l’équipe Art at the Kent ont créé leur propre œuvre interactive, en collaboration avec l’artiste Wolff et le designer local Syver Rogstad sur le projet en plein air « Skyview ». En regardant à travers une volvelle, les visiteurs associent la couleur du ciel à des icônes et des mots.
C’est un concept approprié pour l’émission : une manière poétique et décadente et inventive de regarder le monde, par tous les temps.