Il n’y a rien de plus effrayant que de plonger dans une eau sombre. Manque d’air, pression, désorientation. Des créatures extraterrestres se cachent dans les sombres forêts de varech, attendant d’attirer leurs victimes avec un seul point de lumière bioluminescente.
C’est le monde qu’explore Sage Tucker-Ketcham dans «Under the Water & Into the Woods», présenté à Soapbox Arts à Burlington jusqu’au 16 novembre. Le nouveau corpus d’œuvres est un départ pour le peintre de Charlotte ; les téléspectateurs connaissent peut-être ses peintures antérieures de maisons conviviales et en blocs aux couleurs vives.
Il n’y a pas de tels refuges dans ce spectacle. Tout est sauvage et étrange, le spectateur étant un intrus dans un paysage étrange et enchevêtré. Les peintures explorent de subtiles variations de teintes avec un grand effet : Tucker-Ketcham s’en tient principalement aux bleus profonds et aux verts émeraude. Une secousse occasionnelle, telle que la feuille écarlate dans «Détail d’une chose dans la jungle», fait sa propre lumière dans une scène sombre.
Tucker-Ketcham n’a pas totalement abandonné les formes stylisées : elles apparaissent ici comme des plantes aux feuilles plates et aux tiges gracieusement courbées. Mais ils se chevauchent et s’accumulent sur la toile, de sorte que des œuvres comme « Wild Flower Farm » donnent l’impression de marcher dans un champ dense ; la façon dont les plantes ondulent suggère que le champ est sous l’eau, entouré d’un miasme d’algues vertes brillantes.
Des œuvres immersives telles que le triptyque de 4 pieds sur 6 pieds « Tree Trunk With Chandelier Vines » invitent le spectateur dans une jungle où il y a de la gravité mais pas de sol. Les vignes jaillissent de l’obscurité au-dessus de nos têtes, les feuilles individuelles conférant une spécificité à un nuage de vert autrement amorphe.
Des œuvres telles que « There’s a Full Moon Somewhere » ne différencient que très subtilement les formes végétales dans les tons bleu nuit : Tucker-Ketcham capture l’incertitude d’une nuit sans lune, où il est difficile de dire si quelque chose est là ou non.
L’un des aspects les plus rafraîchissants de l’exposition réside dans ses couches lâches et dégoulinantes de glaçures et de bombes de peinture à l’huile. Tout semble aqueux et en mouvement, en particulier dans des œuvres telles que « What Lies Under the Lake » 1 et 2, une paire de toiles bleues de 60 x 40 pouces situées au fond de la galerie. Ils capturent magnifiquement la sensation d’être au fond du lac, les particules tombant comme de la neige et obscurcissant partiellement la scène profonde et sombre qui nous attend.
Après avoir vu l’exposition, cette journaliste s’est entretenue avec Tucker-Ketcham dans son petit espace à l’étage de Soapbox Arts – celui dont elle déménagera bientôt pour un studio beaucoup plus grand du South End.
Comment en êtes-vous arrivé à ce travail ?
À l’origine, j’étais peintre abstrait et j’ai réalisé de grandes peintures abstraites en utilisant de la peinture de maison et de la résine de bateau. Je me suis vraiment plongé dans la chimie, le mixage, tous ces trucs amusants – et puis c’est devenu vraiment dégoûtant.
Je me suis cassé le pied et je n’ai pas pu marcher pendant environ six mois. J’ai fini par me regrouper, me mettre à terre et j’ai commencé à peindre à l’huile. C’était il y a environ huit ans. J’ai peint de petites peintures de maisons et de paysages, devenant progressivement de plus en plus grands. Et puis, il y a environ deux ans, j’ai commencé à peindre de l’herbe.
Ils étaient encore assez serrés, et puis j’ai pensé : Le désordre me manque. Alors j’ai commencé à sortir mes vieilles astuces : je fabrique mes propres sprays ; Je travaille sur le terrain. Je me suis juste un peu détendu, ce qui était vraiment génial : m’amuser à nouveau, parce que j’étais tellement accro à la peinture à l’huile. Maintenant, je laisse le processus diriger la peinture.
Parlez-moi du thème aqueux et boisé.
Je regarde le lac tout le temps. Sous l’eau est cette chose fascinante : j’ai réalisé qu’il y avait les bois sous l’eau, et il y a de l’eau dans les bois. Je suis allé dans la forêt tropicale l’année dernière au Costa Rica. J’étais littéralement dans la forêt mais entouré d’eau. Tout était un peu ensemble. Le thème du spectacle m’est venu un jour : j’y vais sous l’eau, mais j’y vais dans les bois. C’est donc cette expérience de l’équilibre de l’eau et des bois : les deux ont besoin l’un de l’autre pour exister.
On dirait que c’est un endroit effrayant mais peut-être aussi un endroit réconfortant. C’est comme ça que tu le penses ?
Totalement! J’ai commencé à peindre ces peintures de la jungle l’année dernière, puis nous avons décidé d’aller au Costa Rica. Un ami a dit : « La jungle est si dangereuse mais elle peut vous donner la vie. » Je n’y avais même jamais pensé de cette façon – mais maintenant, j’y pense tout le temps. Le processus que je fais à nouveau permet ces couches d’expérience, sans trop les protéger ou les dissimuler. Il s’agit de laisser la sombre peur se produire, tout en continuant à la peindre et à lui donner vie.
Dans certaines peintures, il y a très peu de différence de tonalité entre les nuances de bleu foncé. Il faut vraiment être présent avec le tableau, au lieu de le voir sur une photographie.
Oui. Ils sont difficiles à photographier. Mais si vous voulez y consacrer du temps, vous pouvez vous plonger dans beaucoup de choses. Mes anciens travaux étaient beaucoup plus graphiques et je pense que j’essayais de créer davantage une jolie image. Maintenant, je fais l’image et si vous voulez passer du temps avec, vous pouvez trouver ce que vous voulez à l’intérieur. J’ai l’impression qu’ils doivent être vécus, plus que simplement considérés comme une image plate.
Les peintures exposées sont principalement vertes et bleues — mais en voici une rouge ! De quoi s’agit-il ?
J’en ai fait un gros rouge, et il s’est vendu tout de suite. Le rouge peut être très difficile pour les gens. C’était lors de ces incendies fous, il y a un an et demi, et tout paraissait rose. C’est ce que je pensais, puis les gens y ont interprété d’autres significations – je me suis dit : Bien sûr, je suppose que cela signifie peut-être la féminité, je ne sais pas. Mais en fait, je pensais à la couleur, parce que je suis une personne de couleur. Je pensais aux couleurs que produit le rouge : à toutes les différentes nuances de rouge de notre atmosphère.
Il y a beaucoup de choses dans le monde naturel qui se situent quelque part entre le rouge et le vert, ou bizarrement les deux, que nous ne considérons pas comme rouges.
Je suis tellement reconnaissant de pouvoir voir ces choses. Je me concentre beaucoup sur la recherche. Je suis plutôt calme – j’aime juste regarder les choses et penser, Que puis-je voir ? Combien de couleurs y a-t-il dans cette chose ? Le rouge est probablement complètement induit par l’automne et par la vue de toutes ces folles feuilles rouges.
Les titres sont-ils importants pour vous ?
Non, je pense que l’œuvre doit dire son truc d’elle-même. Parce que j’ai l’impression d’entrer dans mon travail en tant que personne de couleur, le sens et la profondeur de celle-ci dépendent vraiment du spectateur. Je peux analyser mon travail après, mais je ne le suis pas en essayant dire beaucoup de choses. Je pense que c’est la beauté de l’art : c’est ce qui en sort. Il se dévoile au fur et à mesure.
Cette interview a été éditée et condensée pour plus de clarté et de longueur.
