Les photographies du désert ne le transmettent jamais complètement. L’échelle du paysage est incompréhensible, impossible à contenir. Le photographe essaie souvent de capturer des fleurs glorieuses et brèves ou le vide poussiéreuse des éons. Et ils laissent généralement de côté tous les gens.
Cara Romero, qui a grandi dans la réserve de Chemehuevi dans le désert de Mojave, adopte une approche différente. Ses photographies sont pleines, dans tous les sens: ils imaginent des individus autochtones, réels et mythiques, à la fois dans et hors du temps. Son travail ne dépeint pas le paysage autant qu’il partage certaines de ses contradictions: spécifiques et vastes, construites et naturelles, dévastées et drôles.
Romero présente plus de 60 photographies dans « Panûpünüwügai (Living Light) », sa première grande exposition du musée solo, vue jusqu’au 10 août au Hood Museum of Art du Dartmouth College à Hanovre, NH Jami Powell, le conservateur de l’art indigène du Hood, s’est organisé Une enquête significative et expansive des œuvres de cet important artiste contemporain. Les téléspectateurs devraient saisir l’occasion de le voir avant qu’il ne se rende aux musées de Phoenix, en Arizona, et Jacksonville, Floride.
L’exposition s’ouvre sur des œuvres réalisées spécifiquement dans le contexte de la vallée de Chemehuevi. Plusieurs présentent quatre jeunes garçons (Curtiss, Winka, John et Kiyanni) en robe précoloniale mais temps contemporain. Dans « Jackrabbit et Cottontail », deux garçons représentent des figures qui, dans le mythe, ont rendu la terre brûlante habitable et ont créé les étoiles en tirant leurs frondes au soleil; Près d’eux, leur mère s’appuie contre son buggy de dune Volkswagen, une main tenue contre la lumière du soleil, comme s’il se demandait comment ils sauveront la terre.
Dans « Puha (le chemin) », les garçons sont des silhouettes contre le coucher du soleil; Selon le label, ce sont des «chants d’oiseaux», une façon de partager des histoires de création et des histoires intertribales. Le médium, un imprimé vif de 40 x 64 pouces, est la seule chose qui les place dans le monde contemporain. Dans le texte du mur et dans la tournée audio, Romero décrit les garçons comme des «voyageurs dans le temps».
Elle utilise la série pour établir la fluidité entre les personnes et le paysage, l’histoire et l’avenir. « Evolvers », une œuvre de 5 x 16 pieds faites comme un panneau d’affichage pour la Biennale Desert X 2019, montre les garçons qui courent d’un champ d’éoliennes; En le décrivant, Romero dit qu’elle « a commencé à réfléchir à la façon dont tous nos ancêtres sont toujours dans le paysage, subissant des changements dans le paysage, à l’environnement ».
La majeure partie de l’exposition est au deuxième étage. Au sommet des escaliers, un groupe d’œuvres intitulé « Reimagining Americana » fait référence à la culture pop, en plaçant des acteurs et des artistes amérindiens dans des images familières, comme un film Noir Tableau ou les Beatles ‘ Abbey Road Couvrir, réinitialiser sur une autoroute du désert.
La section est dominée par le «dernier marché indien», qui, à près de 8 sur 27 pieds, serait difficile à manquer. Un riff sur « The Last Supper » de Leonardo Da Vinci, il refonte les apôtres avec des artistes autochtones notables; « Buffalo Man » – l’alter ego du perleur et artiste de performance Marcus Amerman – occupe le devant de la scène en tant que Jésus.
Comme les autres fonctionnent dans ce groupe, il met des représentations stéréotypées des Amérindiens dans un mélangeur avec d’autres tropes, en les renversant dans le processus. « C’était juste ce moment de rire », dit Romero dans la tournée audio, « de vouloir vraiment nous voir d’une manière que nous nous voyons réellement. Pour moi, c’était un moment où j’ai trouvé ma voix. »
Cette voix est à part entière dans plusieurs autres groupes de travaux, notamment «First American Dolls», qui imagine des gens de différentes cultures autochtones en tant que poupées américaines dans leurs boîtes – un contraire à l’idée des Amérindiens comme identité monolithique.
« Wakeah », le premier de la série, dépeint un artiste Kiowa / Comanche nommé Wakeah Jhane Myers dans une superbe tenue traditionnelle en peau de bucks-peau, qui selon le label a pris cinq personnes plus d’un an à faire. À 53 x 40 pouces, la photo est suffisamment grande pour que tous les détails soient visibles. La valise de Myers, un clin d’œil au circuit Powwow, est prêt. L’image présente des réalités simultanées: une poupée représentative de la généralisation et de l’objectivation, mais aussi une personne qui est aimée et dont les accessoires portent une connaissance approfondie, de l’artisanat et du sens.
Romero se concentre principalement sur les femmes, allant des images de personnalités semblables à une déesse à une équipe de Derby de roller fictif à une merveilleuse femme indigène. « Kaa », une autre pièce de taille murale rendue possible par la sublimation de teinture imprimer sur le tissu, jette Kaa Folwell, un potier de Santa Clara Pueblo, en tant que femme en argile de divinité.
Son corps nu est peint dans des schémas géométriques traditionnels avec de l’argile sacrée; L’image représente le moment explosif de réaction chimique lorsque l’argile est tirée. Bien que Romero envisageait ce corps féminin comme «un navire», elle est aussi une personne. C’est une remise en état, une affirmation selon laquelle le corps ne peut pas être apprivoisé ou contrôlé.
Une autre salle de photographies à grande échelle, intitulée «Racisme environnemental», présente des images soigneusement construites. Alors que certains interrogent directement l’héritage du colonialisme, d’autres présentent l’intersection de l’identité et de l’environnement comme un endroit plus rêveux. Romero a fait ces images sous l’eau; Les deux plus récents ont été réalisés en collaboration avec les étudiants de Dartmouth espèrent que Ushiroda-Garma et Teani Defries, tous deux Kanaka Maoli (natif hawaïen).
La dernière salle de l’exposition amène les téléspectateurs dans des « futures ancestraux », des images d’inspiration scientifique qui combinent des mythes indigènes avec une esthétique campy et un clin d’œil à l’afrofuturisme. Dans « Devil’s Claw n ° 1 », une silhouette noire d’une silhouette avec une ceinture perlée contient une sphère contenant la plante désertique enchevêtrée, une source de graines pour l’artisanat traditionnel et la guérison; Il se lit comme une réinterprétation des publicités iPod emblématiques.
« Coyote Girl », une silhouette de filou avec un pistolet à rayons, des bottes de go-go blanches et des oreilles à fourrure au sommet de son casque spatial, est prête à décoller. Sur le mur face à eux, cinq photographies d’Alika Sheyahshe-Mteuzi, une femme afro-indigène, la présentent comme un autre monde, rayé de peinture fluorescente.
Au bout de la salle, le mur de la taille du mur « le Zenith » représente un espaceur – peintre de Muscogee Creek George Alexander – flottant dans le vide, entouré de maïs flottant; Plus de coups de maïs « flottant » du plafond de la galerie, baignés d’une lumière rose étrange.
L’échelle, les détails élaborés et les compétences techniques magistrales – sans parler du nombre – des œuvres dans « Panûpünüwügai (LIVING LIGHT) » sont écrasantes de la meilleure façon. Cela dit, certaines des images les plus silencieuses de Romero sont ses plus efficaces. Un, « Crickett », envoie sa fille à l’âge de 11 ans. Elle porte une robe Pueblo traditionnelle, les cheveux tirés en arrière; Elle pourrait être de tout moment. Son expression est vulnérable et féroce, accusatrice, sachant.
C’est comme une image du désert, regardant en arrière.
