Nous venons tout juste de terminer la saison des fleurs de cerisier au Japon. Les gens affluent depuis longtemps pour voir le spectacle et s’émerveillent devant sa beauté naturelle. Le phénomène a permis à un scientifique japonais de rassembler l’un des ensembles de données les plus anciens sur le changement climatique, s’appuyant sur 1 200 ans d’enregistrements sur la floraison annuelle des arbres. La recherche scientifique et la recherche esthétique existent en symbiose.
Ils rendent les horribles vérités de la destruction de l’environnement super jolies.
Le même esprit motive les œuvres de « Human Impact : Contemporary Art and Our Environment », exposées jusqu’au 20 juin au BCA Centre de Burlington. Chacun des huit artistes de l’exposition crée un commentaire sur le point de bascule écologique où nous nous trouvons, attirant les spectateurs vers le sujet à travers des visuels attrayants. En d’autres termes : ils rendent les horribles vérités de la destruction de l’environnement super jolies.
Avant même d’entrer dans la galerie, les visiteurs découvrent le travail de Rebecca McGee Tuck, une artiste de Natick, Massachusetts. Sa sculpture en acier, sur Church Street, semble fleurir avec des sacs en plastique à usage unique comme un étrange cactus du désert. À l’intérieur, les spectateurs trouvent le relief mural de Tuck « We Are the Lighthouse Keepers », une composition tissée composée de morceaux de corde marine, de filets à huîtres et de casiers à homards dans des tons vibrants de bleu outremer, d’orange et de turquoise translucide. Nous sommes attirés à juste titre par ses textures denses et variées, depuis de grosses surfaces tricotées jusqu’à une masse mousseuse de fil de pêche. Avec cette œuvre et d’autres de l’exposition, Tuck crée habilement des sculptures à partir de déchets qui ne regarder comme des déchets tout en reconnaissant le matériau comme omniprésent, aussi omniprésent que le bois flotté dans le paysage côtier.
Les œuvres de la peintre de Philadelphie Diane Burko offrent une vue élargie de la forêt amazonienne. Réalisées après sa résidence en 2023, les œuvres ont toute l’urgence d’une alarme incendie. Dans une suite de cinq toiles qui s’étendent ensemble sur plus de 5 pieds sur 13, ainsi que deux œuvres plus petites, Burko combine des cartes et des silhouettes peintes de la région avec des photos aériennes de la canopée des arbres et des coupes transversales de bois brûlé. Elle développe ces vues proches et lointaines avec un enfer de rouge et de gris, illuminant le scientifique avec une approche picturale passionnée.
Les habitants du Vermont connaissent peut-être le travail de Renée Greenlee, qui vit à Huntington et a déjà installé de grandes bannières en tissu à la Fletcher Free Library et au Moran FRAME sur le front de mer de Burlington. Ici, elle adopte une approche plus calme, contrebalançant l’étendue enflammée de Burko avec un arrangement de cyanotypes aqueux sur soie, présentés dans des cercles à broder en bois. L’artiste a enfoui la matière bleue dans le sol, la laissant se décomposer : elle a désormais la texture feuilletée des feuilles mortes après la fonte des neiges. Greenlee l’a réparé par endroits à l’aide de fil métallique doré. Les minuscules points de broderie se lisent comme des routes ou des lignes pointillées sur une carte, jetant l’échelle de l’imagerie finalement abstraite dans l’incertitude ; nous semblons regarder un paysage depuis une distance vaste et aérienne autant qu’intime et tactile.
Nicolei Buendia Gupit, qui enseigne l’art à l’Université du Vermont, présente « In the Age of Abundant Scarcity », une installation mystérieuse de ce qui ressemble à des bouteilles d’eau en plastique colorées et lumineuses, disposées sur une table avec des bandes de lumières LED. Un examen plus approfondi révèle des objets à la fois naturels et d’apparence désagréable – des brindilles, un ballon dégonflé, un clou rouillé, un sac en plastique – suspendus dans la vase. En fait, les sculptures sont faites de résine et contiennent des détritus que Gupit a glanés dans les ruisseaux lors d’une bourse Fulbright aux Philippines. Elle est allée découvrir comment les gens là-bas – y compris les membres de sa propre famille qui travaillent dans l’industrie de la pêche – font face à la pénurie d’eau potable et à l’augmentation des inondations à l’ère du changement climatique.
La sculpture de Gupit offre aux spectateurs un point d’ancrage physique dans la galerie qui sert de pont avec le reste de sa pratique basée sur la recherche, nous présentant un sujet sans nous donner toutes les réponses. Cela est également vrai pour d’autres œuvres de l’exposition, notamment une installation de Jersey City, NJ, de l’artiste Adriane Colburn et une pièce vidéo de l’artiste irlandais John Gerrard.
Le travail de Colburn présente des bandes de bois peint courbées et enroulées sur le mur comme une maquette de train ; des images satellite et des réseaux serpentins de découpes rappelant des routes ; des dépôts de potasse scintillants sur papier, découpés et survolant les images ; et des vidéos, dont certaines montrent les émissions invisibles des raffineries de pétrole. Les trois écrans de Gerrard affichent des nappes de pétrole flottant sur l’eau, mais ce n’est pas un documentaire. Chacun a la forme d’un pays (Palestine, République démocratique du Congo, Myanmar) et est une représentation algorithmique de sa consommation annuelle de pétrole par habitant basée sur des données en ligne en temps réel ; plus la nappe est irisée, plus ce pays consomme de carburant. Les installations des deux artistes attirent le spectateur avec une représentation brillante qui n’est que la pointe d’un iceberg d’investigation beaucoup plus vaste.
Deux photographes documentaires prennent le contre-pied avec des images instantanément convaincantes qui cherchent à raconter toute une histoire. Sallie Dean Shatz, une ancienne élève de l’UVM qui vit dans l’Utah, photographie le Grand Lac Salé alors qu’il recule. Les perspectives aériennes montrent une étrange et belle géométrie d’eau vitreuse et de minéraux blancs dans des bassins d’évaporation. Les entreprises extraient des minéraux tels que l’arsenic, qui sont rejetés dans les communautés sous forme de poussière toxique. Chacune des images de Shatz illustre subtilement la manière dont les humains sont intervenus dans ce paysage.
Les images de Kari Greer rappellent, à juste titre, la couverture médiatique désormais annuelle des incendies de forêt dans l’Ouest : le photographe de l’Idaho est un ancien pompier forestier. Elle rehausse le formidable drame des paysages en feu en donnant aux images une finition brillante, comme si elles étaient vues sur nos écrans numériques. Mais vous ne pouvez pas faire défiler ces photos. Notre connaissance du fait que l’artiste a résolu activement et directement le problème – littéralement en éteignant les incendies – les rend optimistes et humains.
Même si l’avenir environnemental semble plutôt sombre, ces œuvres d’artistes capables de canaliser la beauté tout en recherchant la destruction sont inspirantes. Il en va de même pour le simple fait de créer des choses. Au cours d’une table ronde organisée en marge de l’exposition, Greenlee a parlé de l’idée de réparation et de la concentration mentale que la création artistique facilite face à un deuil écologique débilitant.
« Cela nous donne l’impression que nous ne pouvons rien faire », a-t-elle déclaré. « Mais je pense que l’art nous permet de voir et de ressentir l’espoir, et qu’il peut conduire à l’action. » ➆
La version imprimée originale de cet article était intitulée « La beauté et les spectateurs | Des visuels attrayants et la recherche environnementale coexistent alors que les artistes explorent « l’impact humain » au BCA Centre de Burlington ».
