Si les arts visuels étaient un groupe de rock, la sculpture en serait le tambour. C’est sans doute le média qui nécessite le plus grand engagement physique, matériel et équipement ; ça peut être bruyant, ça prend beaucoup de place et votre mère ne vous remerciera pas de vous entraîner dans le salon. Mais c’est aussi le plus ancien et le plus fondamental. Ses préoccupations – poids, tension, geste, équilibre – se répercutent à travers tous les autres arts visuels.
Une exposition basée non pas sur un thème ou un contenu mais plutôt sur la question très large de la manière dont les artistes expriment ces préoccupations pourrait sembler prendre plusieurs années et l’aile d’un grand musée à explorer. Mais Jacquie O’Brien, assistante de conservation et coordinatrice de la galerie au BCA Centre de Burlington et elle-même sculpteure en exercice, a très bien réussi avec « Quelle est la différence ? Idées sculpturales », une exposition qu’elle a organisée en tant qu’invitée dans la plus petite galerie du deuxième étage du centre d’art, à voir jusqu’au 20 juin.
O’Brien se concentre sur les œuvres de deux artistes : Cathy Della Lucia, qui enseigne au Boston College et a reçu une prestigieuse bourse de la Fondation Joan Mitchell l’année dernière ; et Lee Williams, un ancien cinéaste du sud du Pays de Galles, au Royaume-Uni, qui vit désormais à Shaftsbury. Les deux présentent des œuvres réalisées principalement à partir de bois et toutes deux ont un fort sens de la couleur. Mais la plupart du temps, les artistes créent des objets qui engagent de sérieuses considérations formelles, mais ils le font avec légèreté et une bonne dose d’humour.
Williams a commencé à sculpter il y a environ cinq ans après son déménagement au Vermont, a déclaré O’Brien. Il a été inspiré par le nouvel accès aux bois et à un espace bien plus grand qu’il n’en avait jamais eu au Royaume-Uni. Ses sculptures commencent souvent par des bâtons ou des bûches qu’il trouve au cours de ses promenades. Parfois, il les attache avec de la ficelle. D’autres sont fixés avec des chevilles, mais le plus souvent, les chevilles deviennent un élément visuel à part entière, dépassant comme les plumes d’un hérisson.
Williams s’inspire des contes populaires gallois et il y a une ambiance animiste et ancienne dans nombre de ses sculptures. «Slowly Bending to My Will», un assemblage de cinq pieds de haut présentant un tube creux d’écorce de bouleau perché au sommet de pattes grêles, donne l’impression d’une créature sur le point de parler mais prête à s’enfuir ou à s’effondrer sur le sol de la forêt.
« Entre le rire et le désespoir » incorpore une bûche en forme vaguement de crâne de cheval avec de longs bois tordus maintenus en place par de gros boulons orange. En dessous, du contreplaqué aux bords orange prend en sandwich un matériau grumeleux noir de charbon au sommet d’un bloc de bois carré sur des roulettes orange surdimensionnées. Le tout rappelle un Mari Lwyd – une marionnette galloise fabriquée à partir d’un crâne de cheval qui défie les fêtards de Noël à des concours de rimes – mais mise à jour et moderne : elle est prête pour une bataille de rap dans un Home Depot.
Williams utilise des couleurs vives pour garder l’œuvre fraîche et contemporaine sans abandonner son mystère naturel. Il fait des recherches sur la couleur, a déclaré O’Brien, et est fasciné par des teintes telles que le rose vif – une couleur qui n’existe pas en tant que longueur d’onde dans le spectre lumineux mais que nous percevons lorsque notre cerveau fusionne le rouge, l’orange et le violet. Williams déploie sa palette dans des moments saturés qui attirent le regard à travers ses compositions, comme des coquelicots brillants émergeant d’une litière de feuilles.
Le sens du geste de Williams — notamment dans « Correspondance », une grande sculpture reposant sur un seul point et appuyée contre un mur — apparaît comme s’il dessinait. Dans cette œuvre, qui incorpore des tiges de plexiglas et des toiles sales et en décomposition, il invite le spectateur à voir les résonances et les contrastes entre des matériaux disparates, les échos dans leurs formes, leurs bizarreries à la fois trouvées et construites.
Les sculptures de Della Lucia sont composées de parties et de conjonctions, chacune semblant être une conversation entière et bruyante. Ils sont modulaires, assemblés à partir de pièces individuelles en bois, céramique, métal et autres matériaux comme s’il s’agissait des ensembles Lego les plus étranges jamais réalisés.
Lors d’une conférence d’artiste au Saint Michael’s College, Della Lucia a décrit son processus et son histoire : Elle a pris une année sabbatique pour apprendre le travail du bois, y compris les nombreuses techniques de menuiserie japonaises qu’elle utilise désormais. Elle a déclaré que démonter les pièces et les remonter plusieurs fois lors de la création de chaque sculpture influe sur l’œuvre, car la forme de chaque pièce limite les autres. Elle a souligné à quel point les œuvres de son médium sont toujours liées au corps humain. Cela inclut non seulement l’apparence de la sculpture finie, mais également les actions tactiles et physiques de la sculpture et la vitalité inhérente du matériau. Comme elle le dit : « Le bois est encore vivant : il respire, il bouge. »
Le bois est en réalité toujours vivant : il respire ;
ça bouge.Cathy Della-Lucie
Certaines œuvres, comme « Trolling (fraises et langues brûlées) », font référence au corps de manière directe et sensuelle. La sculpture de 31 pouces de haut est construite sur un poteau métallique utilisé pour fixer les cannes à pêche en haute mer ; les morceaux sont empilés dessus comme sur une brochette de shish kebab, avec des morceaux grumeleux, des protubérances et des orifices d’un rose maladif, d’un rouge fluorescent et d’un blanc semblable à un os suggérant, mais sans énoncer, les dangers gênants de toutes sortes de pêche à la traîne.
D’autres sculptures sont presque des personnifications du TDAH. Della Lucia a montré des photos de son atelier totalement chaotique et des dessins du contenu de son réfrigérateur, réalisés alors qu’elle se tenait là, la porte ouverte (exactement, a-t-elle dit, comme son père lui avait dit de ne pas le faire). Dans les dessins, elle identifie des formes abstraites intéressantes, puis trouve des éléments dans l’atelier qui peuvent être sculptés pour correspondre. Les pièces résultantes sont complexes et complexes, comme les deux formes imbriquées dans « Watermelon-Dragonfruit Pus », qui proviennent d’un relief plus grand en six parties basé sur des produits d’épicerie du marché coréen H Mart. Organiser le chaos visuel offre un remède : la menuiserie intelligente rend chaque assemblage complet et apaisant.
Cela vaut également pour les références et les idées variées qui se retrouvent dans l’œuvre de Della Lucia. Elle est coréenne de naissance mais a été adoptée par des parents catholiques stricts du Midwest, et les enquêtes sur cette identité se déroulent à travers des pièces telles que « Give Me Gravy Tonight », dont le titre fait référence à une chanson de Loi sur les sœurs.
D’autres se concentrent sur les absurdités ou les échecs. Ils incluent « Privacy Gate With Invisible Crutch », une sculpture murale en plexiglas partiellement transparent qui n’offre aucune réelle intimité – comme les toilettes américaines, a-t-elle dit – et se replie contre le mur comme un clin d’œil ironique aux acheteurs d’art qui pensent que l’empreinte de la sculpture est trop gênante.
Ce fait – la présence physique du médium – nous oblige à interagir avec lui d’une manière différente, nous obligeant à le dépasser pour nous promener dans une pièce, exigeant une reconnaissance. Comme le dit O’Brien : « La sculpture vit là, presque en tant que personne, parce que ça prend de la place. ➆
La version imprimée originale de cet article était intitulée « »Différents » coups | Une exposition au BCA Center offre une nouvelle vision de la sculpture ».
