La carrière de 55 ans dans la gravure de l’artiste de Burlington Bill Davison s’est étendue jusqu’à sa mort à l’âge de 78 ans en 2020. Il a intitulé sa dernière œuvre « Diamonds and Rust », d’après la chanson de Joan Baez. C’est un choix curieusement organique étant donné les grilles géométriques de la série et la masse de formes presque architecturale – sans parler du fait que Davison n’a jamais écouté de musique en travaillant, selon sa veuve, la sculpteur Kathleen Schneider.
Peut-être voulait-il dire « Diamants et rouille » pour faire référence aux « difficultés et contradictions de la vie », a déclaré Schneider. «Je ne sais pas exactement ce qu’il en aurait dit comme métaphore de sa vie.» Ayant promis à Davison de montrer l’œuvre, elle a choisi cette expression comme titre de sa première exposition posthume, qu’elle a organisée et organisée. Il est visible jusqu’au 29 novembre à la Francis Colburn Gallery de l’Université du Vermont.
Loin d’être une rétrospective, l’exposition présente près de 50 œuvres de manière non chronologique. Schneider a choisi des sélections de la série « Diamonds and Rust » (2015 à 2020) et plusieurs premières œuvres remontant à 1987, ainsi que les collaborations que Davison a faites avec Schneider ; sa fille artiste, Kadie Salfi ; et plusieurs amis. De nombreuses œuvres, pour la plupart titrées avec leurs dates, n’ont jamais été vues en public.
Schneider a choisi la galerie de Williams Hall, qui abrite le programme d’art et d’histoire de l’art, pour honorer les 42 ans de carrière de Davison en tant que professeur d’art à l’UVM. Cela honore également leur relation : Schneider a rencontré Davison en 1978, lorsque, alors qu’elle était étudiante de retour, elle a suivi un cours avec lui et a été inspirée à poursuivre sa propre carrière artistique.
Faisant écho à la référence de Davison au chant, l’exposition s’ouvre littéralement avec trois œuvres musicales : des partitions orchestrales sérigraphiées de Davison écrites par le compositeur et ami Morton Feldman sur des feuilles d’acétate transparentes. Avec John Cage, Feldman comptait parmi les compositeurs américains les plus avant-gardistes du siècle dernier, concevant même sa propre méthode de notation graphique. La collaboration de Davison place le graphique sur une grille : il a cousu les feuilles d’acétate sur ses propres grilles de carrés colorés.
Ces derniers sont des monotypes, ou des tirages uniques, créés en peignant des morceaux de plexiglas de 2 pouces carrés avec des aquarelles, en les alignant en groupes sur du papier Rives BFK imbibé d’eau mais solide et en les passant dans une presse. Les trois œuvres avec partitions, de la série « In Search of an Orchestration » de Davison (2011 à 2013), sont imprimées avec des blocs horizontaux de 12 carrés sur quatre sur du papier de 30 x 22 pouces.
Les grilles de Davison sont son exploit de fin de carrière. Fumeur qui a passé des décennies à utiliser des pigments et des solvants toxiques tels que des encres à base d’huile et de la térébenthine, on lui a diagnostiqué un cancer du nasopharynx en 1999. Il s’est rapidement tourné vers la gravure à l’aquarelle et a suivi des cours à New York pour pouvoir enseigner à ses étudiants de l’UVM de manière plus sûre. méthodes. Il a lutté contre la maladie pendant les 20 années suivantes.
Et il a changé son style par rapport à la précision rigoureuse de ses travaux antérieurs, vus dans «Le Caire» (1987) et «Prague» (1991), deux collages à la Robert Rauschenberg aux formes dures qui incorporent des images figuratives du photographe tchèque Paul. Ickovic. Au lieu de cela, Davison a opté pour les grilles. Clin d’œil au minimalisme des années 1960 et à des artistes émergents ou déjà établis comme Agnes Martin et Richard Serra lorsqu’il obtient sa maîtrise au début des années 1960 à l’Université du Michigan, les grilles de Davison laissent également place au hasard : il choisit les couleurs à sa guise dans le moment et s’est appuyé sur le processus d’impression monotype, qui conduit souvent à des résultats inattendus.
«Son travail est passé de la précision et de la planification à l’accident et au hasard», a déclaré Schneider.
La grille la plus reconnaissable de Davison est peut-être un carré composé de 16 plus petits. Schneider a inclus 17 grilles de ce type de la série « Neige et blessures » de Davison (2001 à 2019), chacune imprimée sur du papier carré de 20 pouces. Au lieu de montrer les œuvres individuellement en ligne, Schneider les a accrochées en pyramide sur un mur. Elle a noté que la formation a incité les téléspectateurs à passer du temps à examiner comment chacun se compare aux autres.
Un regard attentif est en effet la clé pour apprécier ces œuvres. Chaque carré d’une composition est une peinture abstraite miniature, sa couleur sillonnée de lignes fines ou inégalement mouchetée ou brossée ; certains sont incomplets. Davison a découpé ses carreaux de plexiglas à partir de feuilles qu’il avait utilisées comme surfaces de coupe et les a réutilisées si souvent qu’elles ont fini par s’écailler ou se casser.
Deux des six pièces verticales de la série « Snow and Wounds », disposées ensemble sur un mur, présentent également des extrêmes de désintégration de la grille. Chaque grille de quatre carrés sur 12 est imprimée sur du papier de 29 x 16 pouces. Empilées comme des tours, elles ont été construites peu après le 11 septembre, a déclaré Schneider. L’une, presque entièrement noire, dépasse ses limites avec des flots d’encre noire tandis que des taches blanches effacent les autres bords. L’autre semble avoir été passé sous presse à deux reprises avec les carrés dans deux positions différentes.
«L’ancien projet de loi les aurait rejetés», a commenté Schneider en riant.
Alors que Davison choisissait sa palette spontanément, il équilibrait les couleurs dans ses compositions, comme dans une œuvre sombre datant du 11 septembre avec des carrés magenta et framboise sur deux bords, des carrés jaunes opposés sur les deux autres. Les grilles marbrées en niveaux de gris, qui sont nombreuses, pourraient avoir des accents atténués dans les tons terreux ou des éclats de rouge et de jaune.
La texture en relief laissée par la presse est l’une des choses que Davison a « aimé » dans son procédé adopté tardivement, a déclaré Schneider. La texture, ou son illusion, est une constante au fil des décennies : le papier en fibre de rayonne qu’il a utilisé dans des œuvres antérieures pour des éléments géométriques abstraits réapparaît dans le collage de 2020 « South Hero/Kathleen », un arrangement de barres, de carrés opaques et texturés. et un triangle dont les formes ressemblent à une structure architecturale vue d’en haut.
Davison a également utilisé un papier noir brillant appelé Carborundum dans des œuvres telles que « Truro » (2020), une collaboration avec Schneider. La composition met en scène la sérigraphie de Davison des années 1990 d’une nature morte à l’aquarelle réalisée par Schneider à Truro, Massachusetts, où le couple a passé l’été pendant 30 ans, à côté de la sérigraphie de Schneider de 2020 représentant deux roses sur la grille monotype de Davison – son geste de «lui dire au revoir, » dit-elle.
Davison a appelé le carborundum « poussière de diamant ». Ceci, ainsi que des éléments tels qu’une bande rectangulaire dorée scintillante dans une pièce « Diamonds and Rust », ont conduit Schneider à spéculer que le titre de la série fait référence aux « zones réfléchissantes et aux zones plates » que Davison a créées à travers ses matériaux.
En tant que titre d’exposition, il décrit également l’ensemble du travail de Davison exposé, depuis les bords découpés avec précision des sérigraphies et collages antérieurs jusqu’aux structures en désintégration de ses monotypes ultérieurs, imparfaitement imprimés. Tous deux font partie d’un héritage qui a amené le travail de Davison dans les collections du Museum of Modern Art de New York, de la Yale University Art Gallery, du Philadelphia Museum of Art et du Smithsonian American Art Museum – et l’a imprimé dans l’esprit de tout spectateur qui rencontre l’œuvre de cet artiste dévoué.
