Au BCA Center de Burlington, l’exposition « Essential Figure » pose la question suivante : quelle est la silhouette et que fait-elle ces jours-ci ? Les artistes de l’exposition adoptent six approches et gestes totalement différents vers une nouvelle vision rafraîchissante du genre.
Dans l’histoire de l’art, la figure est généralement une représentation de la forme humaine. C’est un corps mais pas une personne. La tradition figurative a vraiment pris son essor en incarnant des concepts abstraits : dieux, saints et personnages mythiques ; Justice, Liberté, Guerre ; stéréotypes de dessins animés. La collection permanente de tout musée d’art d’avant le XXe siècle regorge d’images de personnages allégoriques. Près du sommet de la hiérarchie académique des sujets d’art, une représentation physique convaincante du corps dans l’espace était également un moyen de prouver ses talents artistiques.
Au cours des cent dernières années, de nombreux artistes se sont éloignés de la figure pour diverses raisons. C’était très genré, représentant souvent des corps de femmes vus avec un regard masculin. Les corps non blancs étaient souvent exotisés. L’intention était que le spectateur objective le corps et apprécie l’habileté avec laquelle il a été rendu, mais pas qu’il s’identifie à la personne réelle qui s’y trouve.
Le duo d’artistes de Brooklyn Lorenzo Triburgo et Sarah Van Dyck s’empare de cette histoire et la fait exploser dans une pluie de paillettes dorées. Les photographies exposées de leur série « Shimmer Shimmer » comprennent trois images de 48 x 32 et 24 x 30 pouces de Triburgo, nu, au bord de l’océan. Les poses de l’artiste sont reconnaissables dans l’histoire de la Renaissance. Ils tendent le bras comme un lanceur de disque dans «Mars», inclinent la tête et posent gracieusement leurs mains dans «Vénus», comme s’ils sortaient d’une demi-coquille.
Les images de la série ont été prises alors que Triburgo avait interrompu un traitement hormonal transgenre de 10 ans, une action qu’ils ont prise comme une performance et avec le désir «d’occuper un nouvel espace subjectif», selon leur site Internet. La silhouette non binaire sur les photos scintille de paillettes dorées et de sable provenant de la plage historiquement gay-friendly de Jacob Riis, dans le Queens, où les photos ont été prises.
Triburgo et Van Dyck incluent également des photos plus petites dans leur installation, des constellations de paillettes sur fond noir accrochées près de chaque cadre plus grand. Les corps trans sont célestes dans cette œuvre et, dit Triburgo, « signalent au spectateur que le titre « Mars », par exemple, fait référence à la planète » et non au dieu (genré).
Les sculptures en céramique de l’artiste Jennifer McCandless, de Burlington, s’apparentent davantage à des dessins animés figuratifs qu’à des peintures de dieux. Ses personnages sont sortis tout droit d’une page de bandes dessinées du XIXe siècle, avec des corps exagérés qui défient la logique mais semblent ancrés dans la gravité. Le personnage de « My Shirt Is Too Tight », qui mesure près d’un mètre de haut, se gonfle hors de sa chemise et courbe ses épaules au-dessus de la masse solide de sa moitié inférieure et de sa taille inconfortablement cintrée. Le spectateur peut instantanément comprendre ce que ressent ce corps absurde.
Dans «Baby Boomer Bad Ass With Patriarchal Shoulder Parrot», une grand-mère de 34 pouces vêtue d’un costume de Wonder Woman maigre et flasque donne au spectateur un regard complice et fatigué alors qu’un petit vieil homme déclame sur son épaule. Dans «Woman Making Herself Invisible» de 6 pouces, une figure féminine utilise une gomme Pink Pearl de taille normale pour effacer sa propre tête. Les personnages satiriques de McCandless sont originaux, drôles et reconnaissables par tous ceux qui ont de la famille.
Les personnages qui composent les scènes de l’artiste de Barre Hannah Morris sont plus opaques. Leurs intentions sont véhiculées par le langage corporel : héler un taxi, lire un journal, traverser la rue en courant. Le placement et les environnements des personnages ont une qualité surréaliste, comme s’ils existaient dans un rêve. Ils ne semblent pas se voir.
Morris utilise le collage ainsi que la peinture, en commençant par une base d’images provenant de magazines vintage et en peignant dessus, modifiant radicalement les scènes originales. La technique l’aide à distiller l’action afin de se concentrer sur ce que font des personnages spécifiques.
Morris renforce cet effet en jouant avec les proportions. Une silhouette – peut-être un enfant – vêtue d’une robe rouge dans «Hobby Lobby» se lève d’une chaise, mais la chaise est très grande, tout comme ses jambes et ses avant-bras. Cela attire l’attention sur le petit moment. Morris ne nous dit pas exactement ce qui se passe, mais parce qu’elle observe avec autant d’attention les gestes individuels, ses scènes sont vivantes et crédibles.
Contrairement aux personnes déterminées et solides de Morris, les trois peintures de 58 x 54 pouces d’Enrico Riley communiquent des corps en mouvement, moins les corps. Peints sommairement sur des fonds clairs, ses personnages dansent et font de l’exercice. Des gestes minimaux indiquent le poids sur une jambe, un bras jeté en arrière, un étirement.
Dans «Together Green and Dark Blue», Riley – qui vit à Norwich et enseigne l’art en studio au Dartmouth College – efface la peinture là où se trouveraient la tête et les pieds des personnages, mais leurs visages regardent toujours leurs propres pas de danse. Il célèbre l’identité noire non pas en décrivant des Noirs individuels, mais en communiquant la manière dont un groupe évolue ensemble. Il inclut juste assez de détails pour que le spectateur puisse reconnaître les actions des personnages et leurs relations les uns avec les autres dans le temps et dans l’espace.
Les peintures de l’artiste de Barre Suzy Spence tournent autour de la figure du temps – et ce temps est rapide. Ses peintures « Racers » représentent toutes des jockeys féminines, avec seulement des allusions à un cheval. La plupart utilisent des couleurs vives sur un fond sombre. La technique de peinture directe et énergique de Spence donne lieu à des gouttes de peinture et à des gestes au pinceau. Le rythme de ce geste décrit les coureurs qui défilent, couverts de boue.
Dans « Dirty Racer » à la taille d’un mur, les lunettes du jockey reflètent une tache de ciel, et une tache de toile brute devient un éclat blanc brillant sur son casque. Spence est économe avec sa peinture : elle est projetée sur la toile, mais seulement exactement là où elle est nécessaire. Des détails tels qu’une tache orange fluo qui dépasse à côté de la chemise bleue du coureur contribuent à créer un sentiment d’urgence et de vitesse.
La couleur est le principal moyen utilisé par la peintre du Maine Sophie Cangelosi pour pousser ses sujets dans le royaume mythique. Un baigneur patauge dans «Je descends sur le rivage», tête en arrière, avalant une épée. Le rose fluo et le bleu électrique de Cangelosi font vibrer le corps face à son reflet. Le tableau a l’énergie étrange d’une carte de tarot, où le chiffre semble symbolique, mais ce qui n’est pas clair.
Les personnages de « Birdwatchers » sont un peu plus proches de la réalité. Ici, le soleil joue sur leur peau dans des jaunes et des roses vifs, soulignant la forme des muscles de leurs bras mais ne révélant pas qui ni où se trouvent les ornithologues amateurs.
L’exposition dans son ensemble remet en question la tradition en insistant sur l’inclusion plutôt que sur la perfection. Elle n’abandonne pas le genre mais s’intéresse aux corps que nous voyons et à la manière dont ils veulent se montrer.
