Au Mad River Valley Arts à Waitsfield, l’exposition collective « ALOFT » jette les conventions au vent. Le spectacle aborde non seulement le concept de vol, mais aussi toute idée associée à l’air – de l’atmosphérique à l’éthéré. Rassemblant des œuvres d’artistes locaux et de quelques artistes étrangers, ainsi que des objets historiques, l’exposition est une vision amusante, fascinante et bien dispersée de l’air.
Les images numériques d’insectes de la photographe de Waitsfield, Julie Parker, offrent une vue macro-objectif, montrant les structures ressemblant à des cheveux sur l’aile d’un papillon lunaire et la géométrie d’une libellule. Elle manipule certaines images, mettant en valeur la symétrie de l’insecte ou sa translucidité. Ce sont de belles vignettes obsédantes.
L’aquarelle délicate et délibérée de Catherine Gowen, basée à Princeton, dans le New Jersey, «Cicada Wing Wheel» montre également l’anatomie de l’insecte, mais là où les images de Parker montrent des gros plans qui pourraient être n’importe quel insecte, chaque structure d’aile de la photo de Gowen appartient à un individu différent. Déchirés ou cassés à différents endroits, ils ressemblent à des morceaux que l’on pourrait trouver sur un trottoir en été.
Selon la déclaration de son artiste, Gowen les a organisés en cercle « pour suggérer la nature cyclique de leur cycle de vie souterrain et aérien, ainsi que leur émergence périodique ». La pièce se lit comme un mandala ou un cercle de fées, superposant le style naturaliste de Gowen avec une touche de mysticisme.
Aaron Scot Ingham de Bent Nails Studios à Marshfield a créé trois insectes loufoques et résolument non scientifiques à partir de vieux vaporisateurs anti-insectes et de raquettes de tennis. Ils se perchent de manière fantaisiste – et un peu menaçante – sur le mur, nous rappelant les poisons que les humains ont rejetés dans l’environnement.
Le conservateur Sam Talbot-Kelly considère le rôle de Mad River Valley Arts comme un pont entre la nature et la culture ; elle a déclaré que l’organisation artistique à but non lucratif est « enracinée dans la vallée », où l’identité communautaire est fortement liée au plein air. Talbot-Kelly considère des expositions telles que « ALOFT » comme des opportunités d’exprimer l’activisme à travers la beauté et d’encourager les visiteurs à penser la nature d’une nouvelle manière.
Le photographe de Barre, Rob Spring, a capturé des images de macareux et de grues du Canada depuis un kayak en Alaska, où il pouvait voir les macareux courir sur la surface de l’eau pour s’envoler. Les photos sont imprimées sur papier mat et encadrées sans verre. Les petits tirages, avec des oiseaux en noir et blanc sur un ciel gris, ressemblent à des dessins à la mine de plomb. Ils décrivent la beauté de ces oiseaux tout en suggérant leur disparition.
Sandra Grant, une artiste textile basée à Warren, a contribué à deux pièces, «Dancing Loon» et «Spoonbill’s Nest», qui incorporent de la laine, des perles, des plumes et des rubans – comme si elle construisait des nids. Les reliefs sont dimensionnels, texturés et vifs. Leur tissage épais et serré ne permet aucune légèreté mais transmet l’aspect d’un oiseau. Peut-être que Grant se demande comment diable ces créatures duveteuses décollent.
Ray Parker, basé à Waitsfield, a adopté une approche du vol basée sur le temps. Il a converti des vidéos de corbeaux et de pigeons en photographies uniques, en superposant plusieurs images afin que le chemin de chaque oiseau apparaisse comme une ligne calligraphique se déplaçant sur l’impression. Les images qui en résultent, telles que «Crow Storm», présentent le vol comme une masse organisée et inquiétante.
«ALOFT» n’ignore pas les approches humaines du vol. À la recherche d’objets de conception liés au vol pour l’exposition, Talbot-Kelly a consulté Sugarbush Soaring et a été dirigé vers David Bahnson. Le chirurgien orthopédiste de Rutland, qui collectionne d’anciennes hélices d’avion en bois, en a prêté sept pour l’exposition. Six d’entre eux datent de la Première Guerre mondiale et sont montés ensemble sur un support construit. Mesurant jusqu’à neuf pieds, les hélices incurvées et vernies sont sculpturales, comme des ailes de libellule géantes en bois. Ils ont l’aura et l’éclat de l’artisanat contemporain, même s’il s’agissait de machines pilotées avec précision, et rappellent l’audace des premiers pilotes lorsqu’ils prenaient leur envol.
Certaines œuvres intrigantes de l’exposition intègrent l’air de manière inattendue. Les dessins au fusain d’intérieurs de granges de Joe Loccisano, basé à Montpellier, donnent une idée de l’espace dans les fermes d’un grenier à foin ; des poutres et des échelles entrecroisées offrent au spectateur un chemin vers le haut et à travers la structure précaire.
Les collages « Billboard Building » d’Art Schaller se démarquent, représentant des formes en blocs qui ressemblent à des maisons sur pilotis construites dans des friches colorées. Les œuvres ont une profondeur, une ombre et une sensation d’espace remarquables. Ils fonctionnent à de nombreuses échelles perçues : les structures peuvent être des maisons de poupées ou des immeubles d’habitation. Quoi qu’il en soit, il est clair que l’architecte de Northfield considère l’espace vide et le mouvement de l’air autour d’un bâtiment ainsi que sa masse.
Deux petites peintures de Katie Stubblefield, basée à Los Angeles, sont abstraites mais suggèrent des fenêtres brisées. Elle utilise des lignes horizontales blanches et grises, des formes argentées ressemblant à des éclats et des encres délavées pour créer une impression de turbulence. Dans sa déclaration, Stubblefield affirme que son travail est influencé par le changement climatique et aborde « les courants ascendants, les microrafales, les tourbillons de poussière, les tornades et les ouragans que nous vivons globalement en personne ou dont nous sommes témoins électroniquement ».
La prémisse du spectacle inclut non seulement l’air, mais aussi l’éthéré. Le mot évoque le céleste, et de nos jours, il est aussi souvent associé au monde incorporel des objets numériques stockés « dans le cloud ». Plusieurs des artistes de l’exposition utilisent la génération et la manipulation de photos numériques comme outils pour créer des œuvres d’art physiques. Le médium est immatériel.
L’artiste de St. Johnsbury, Dominique Gustin, utilise la « synthographie » – c’est-à-dire les images générées par l’IA – comme point de départ. Elle manipule ensuite chaque image numériquement, l’imprime et la monte sur un panneau, et la retravaille avec des supports physiques tels que le fusain et la cire à l’encaustique. Elle sculpte et polit ensuite la pièce pour lui donner un éclat. Les couches et les imperfections de la cire, tout autant que les images étranges, contribuent au côté onirique du travail de Gustin.
L’artiste montpelliéraine Cara Armstrong propose des dessins numériques colorés de la capitale depuis une perspective aérienne. Les lignes dans ses groupes de maisons et ses ciels en blocs ressemblent à des dessins animés, comme si elles avaient été dessinées avec un stylet numérique, mais son travail serait plus puissant s’il était fait à la main. Il leur manque une sensation de pression sur la surface et, bien que les couleurs soient nettes et claires, la pixellisation gêne parfois ses lignes.
Sur le plan curatorial, «ALOFT» avait une mission ambitieuse : rassembler des médiums et des styles disparates et mettre en valeur les qualités mystérieuses et magiques de notre atmosphère. Le concept est si vaste qu’il pourrait bénéficier de plus d’espace, mais les œuvres d’art sélectionnées combinent de riches perspectives et pointent ensemble dans une nouvelle direction : vers le haut, vers le haut et vers l’extérieur.
