Lorsque le célèbre nail artist Juan Alvear a commencé à faire des ongles en 2016, ses manucures délibérément « désordonnées » et extravagantes s’étendaient souvent jusqu’aux mains et aux articulations de ses clientes. On y trouvait de grandes touches de peinture rose Barbie, des gribouillages abstraits réalisés avec des néons phosphorescents et des lignes ondulées en vernis bleu foncé qui ressemblaient à une mer agitée.
À l’époque, Alvear était étudiant dans le prestigieux programme des beaux-arts de Cooper Union à New York, où il se préparait à devenir peintre et sculpteur. Comme tout bon étudiant, il passait la majeure partie de son temps dans un studio qu’il partageait avec six autres camarades de classe, travaillant méticuleusement sur des devoirs.
Du moins jusqu’à ce que quelqu’un entre avec une bouteille de Sally Hansen de Duane Reade, prêt à être badigeonné de couleurs comme « Beet It » ou « O-Zone You Didn’t ».
« Je ne faisais même pas ces ongles de manière sérieuse », a déclaré Alvear à CNN en riant lors d’un appel vidéo, décrivant ces manucures folles comme des « expériences » entreprises principalement pour le plaisir. Et en échange, il pouvait garder le vernis restant pour l’utiliser pour ses croquis et peintures – dont certains étaient soumis comme travaux de classe – tout en créant du contenu pour sa page Instagram, @byjuanalvear.
C’était une situation gagnant-gagnant qui satisfaisait à la fois son sens de la fantaisie et son art qui repousse les limites. Les créations d’Alvear sont incroyablement surréalistes, accrocheuses et impressionnantes ; des créations multimédias qui mélangent la fantaisie des livres de contes, le surréalisme dystopique et une esthétique typiquement Y2K à travers des formes défiant la gravité et l’utilisation de matériaux surprenants, tels que des pointes métalliques, des pierres précieuses surdimensionnées et des vernis brillants.
Certains des designs emblématiques d’Alvear intègrent des versions hyperréalistes d’objets du monde réel dans un ensemble d’ongles — qu’il s’agisse d’une sculpture de glace représentant une tête de Barbie ou d’un sablier fonctionnel — et transforment une main entière en une déclaration. Ou, comme l’a dit Alvear lui-même, une sorte de « rêve fiévreux tordu » où tout « existe en excès sans raison ».
Mais très vite, cette activité parallèle sur les réseaux sociaux a valu à Alvear un culte et une reconnaissance qui ont éclipsé ses œuvres de peinture et de sculpture « traditionnelles ». Aujourd’hui, il est l’un des manucures les plus recherchés du secteur, ses œuvres étant régulièrement présentées dans les défilés de luxe et sur les mains de nombreuses stars comme Lil Nas X, Rosalía et Charli XCX, qui ont arboré ses ongles sur le tapis rouge, dans les magazines et dans des clips vidéo très médiatisés.
Comme la plupart des tendances de la mode et des mouvements artistiques, il est difficile de dire quand et où la véritable sculpture sur ongles a commencé, même si l’on peut affirmer sans risque que les femmes noires ont été les pionnières de l’acrylique après son invention dans les années 1950. Des superstars comme Diana Ross et Donna Summer ont commencé à porter des ongles en acrylique de longueur moyenne dans les années 1970 ; la star de l’athlétisme américaine Florence Griffith-Joiner est devenue une icône de style après avoir battu deux records du monde aux Jeux olympiques de 1988, tout en arborant un ensemble de 15 cm d’acryliques rouges, blancs et bleus. Tout au long des années 1990 et 2000, les ongles de déclaration ont continué à être un incontournable de la beauté pour les femmes noires, dominant la culture hip-hop grâce à des rappeuses comme Missy Elliot et Lil Kim.
Cependant, selon Isis Darks, commissaire de l’exposition new-yorkaise « ACRYLICS: Hidden Sculptural Art » (aujourd’hui fermée) et du livre photo qui l’accompagne, les ensembles sculpturaux les plus originaux semblent avoir émergé au début des années 2000 dans le quartier branché de Shibuya à Tokyo. Au cours des années qui ont suivi, ils ont posé les « bases de certaines des créations 3D les plus marquantes », la pionnière de la manucure, Mei Kawajiri, étant l’une des premières à ouvrir un salon de manucure « style Shibuya » dans la ville au milieu des années 2000, où elle a réalisé des sculptures 3D de bonbons, de fraises, d’aubergines et d’autres sujets ludiques – dont une grande partie a été influencée par son propre amour pour les « petites choses miniatures ».
Aujourd’hui installée à New York, Kawajiri continue de créer des sculptures inspirées d’objets ordinaires du quotidien : pâtes, escargots, jouets et télécommandes. Comme Alvear, Kawajiri a accumulé un large public en ligne, ce qui lui a valu des contrats éditoriaux, des campagnes de mode haute couture et une large liste de clients célèbres comme Emily Ratajkowski, Jonathan Van Ness et même Kim Kardashian, qui, selon Kawajiri, lui a un jour demandé des « ongles de pieds percés ».
Cependant, la plupart du temps, elle préfère des modèles plus « pratiques » qui permettent à ses clients de vaquer à leurs occupations sans trop d’encombre, tandis qu’Alvear crée des créations sculpturales ostentatoires qui ne conviennent pas du tout à un usage quotidien.
Malgré ces inconvénients, Kawajiri a déclaré à CNN qu’elle avait vu des modèles inspirés d’Alvear apparaître partout sur TikTok et Instagram pendant les confinements liés au COVID-19, lorsque les gens ont commencé à faire leurs propres manucures expérimentales à la maison et que les ongles longs étaient moins un problème. En fait, Kawajiri attribue à Alvear le mérite d’avoir le artiste qui a rendu le nail art sculptural « viral » pendant cette période, soutenant la théorie de Darks selon laquelle l’impact de la pandémie sur les sous-cultures des médias sociaux (et la culture en général) a provoqué « un changement majeur dans la contribution au nail art, à la conversation et à la croissance de la communauté ».
En conséquence, l’intérêt pour les ongles sculpturaux a explosé, avec plus de 34,4 millions de TikToks avec le hashtag « #3DNailArt », des célébrités faisant la une des journaux avec leurs ongles surréalistes et la découverte de nouveaux artistes comme Morgan Gilbertson, qui est devenue virale l’année dernière pour ses ongles complexes en forme de service à thé.
Pour Alvear, cependant, ces éloges semblent encore un peu étranges.
« Je pense que c’est juste une chose étrange dans laquelle je suis tombé par hasard », a poursuivi Alvear, soulignant qu’il avait longtemps été conditionné par des attentes plus traditionnelles de ce qui constitue « l’art ». La beauté a longtemps été « corrélée aux soins et à l’entretien de soi », a expliqué Darks, plutôt qu’à une interprétation du corps en tant que toile. Sa présentation principale étant un « sujet humain », il y a un « manque de reconnaissance pour les coiffeurs, les maquilleurs et les artistes des ongles dans les espaces « white cube ». »
On pourrait dire que les ongles sont les moins appréciés des trois, la coiffure ayant déjà fait l’objet d’expositions au Musée des Arts Décoratifs de Paris. Parallèlement, le maquillage a également fait son apparition dans le cube blanc via des expositions approfondies examinant le lien entre maquillage et politique, et les multiples collaborations du Metropolitan Museum of Art avec des marques comme Pat McGrath Labs, Le Labo et Estée Lauder sur des produits de beauté en édition limitée inspirés d’expositions temporaires et de la collection permanente de l’institution. En comparaison, les expositions de nail art sont souvent organisées dans des galeries indépendantes – la modeste exposition de DegreeArt.com en 2011 ou l’exposition sponsorisée par le CND au Oceanside Museum of Art en 2019 – qui étaient toutes deux axées sur des décors peints plutôt que sur des pièces sculpturales.
Mais certains pensent que les choses sont en train de changer. Des expositions récentes comme « ACRYLIQUES » ont cherché à mettre cette pratique sur un piédestal – ou plutôt sur un socle de galerie. Alvear a exposé des œuvres, dont plusieurs sculptures d’ongles autonomes, dans une exposition personnelle à la galerie Treize à Paris, qui a été présentée comme combinant habilement les « domaines souvent séparés des beaux-arts, du design et de l’industrie de la beauté ».
« Je pense que le changement réside dans cette reconnaissance publique et cette participation à la compréhension que les artistes des ongles ne font pas simplement quelque chose de « bas de gamme » », a déclaré Darks, notant que « ces artistes recréent des portraits de Basquiat, de Van Gogh et du réalisme » sur de minuscules surfaces.
« Cela ouvre les portes et les discussions pour que les galeries et les conservateurs de l’industrie de l’art envisagent des concepts multimédias issus de ces supports axés sur la beauté », a-t-elle déclaré, un sentiment partagé par Alvear et Kawajiri. La seule véritable différence, après tout, est la substitution d’un tube de peinture acrylique traditionnelle à un petit pot de gel de sculpture acrylique.
