En avril, l’artiste de Winooski, Corrine Yonce, 34 ans, a reçu le prix de l’artiste visuel de Burlington City Arts en 2025 – un honneur prestigieux qui marque un artiste comme un artiste à suivre. Elle a ensuite dit que cela lui aiderait à terminer son travail pour son exposition solo à AVA Gallery and Art Center au Liban, NH cette exposition, « Longing est juste notre parole pour savoir », a ouvert le week-end dernier dans la spacieuse galerie principale d’Ava, aux côtés d’excellents spectacles solo par Misoo Bang, Mike Howat et Cierra Vigue, qui se déroulent tous au 27 septembre et valent le voyage à l’Upper Valley.
Yonce a travaillé dans le plaidoyer du logement pendant des années et a connu une instabilité du logement elle-même. Son travail est informé par des idées sur le sens de la «maison», qu’elle décrit dans la déclaration de son artiste comme «proche, spécifique et familier, mais souvent perturbé et s’effondre».
Cette description correspond également aux qualités physiques et formelles de ses peintures et assemblages. Ils sont pour la plupart brillants et bruyants, incorporant tout, du carreau cassé à la mousse d’isolation de tuyau. Mais là où ces matériaux peuvent sembler maladroits ou chaotiques entre les mains d’un autre artiste, Yonce les ramène à quelque chose d’un peu sage: une nature morte de fleurs ou un portrait sur un panneau qui se sent silencieux et intime, bien qu’il puisse être vert néon ou orange.
Un groupe de trois petites œuvres illustre la concentration de Yonce sur ces petits moments. « Elle enroulée comme une nouille dans une coquille de palourde (Mini) », « Récolte de l’aîné de la cour » et « Bath de luxe pendant la covide » combinez tous le dessin (crayon, crayon, marqueur) avec de la peinture acrylique et des collage sur les panneaux. Les pièces collées sont des impressions des propres croquis de Yonce, comme si elle les testait pour voir si c’est là qu’ils veulent vivre. Les œuvres sont toutes au moins quelque peu figuratives, avec des mains et des jambes et un croquis de quelqu’un lavant la vaisselle faisant des apparitions. Mais ils s’harmonisent à cause de la façon dont elle utilise la couleur.
Les blocs jaunes et orange interrompent une gamme de verts et de blues, y compris un plateau mural vert menthe soutenant le «bain de luxe» du panneau. Ensemble, ils créent une composition globale qui attire le tournant d’une main, une jambe au bord d’une baignoire – des extraits domestiques de tous les jours, facilement manqués mais pour l’attention de l’artiste.
Yonce utilise d’autres versions de l’étagère-vert de la menthe – certains semblent réutilisés de la maintenance Tchotchkes – pour renforcer les notions de maison. « Tout sauf l’évier de la cuisine » repose sur un seul: une scène de Susans aux yeux noirs souples présentés dans un cadre en carton coupé en boucles de 10 pouces de 10 pouces glommated avec de la peinture grumeleuse la couleur des viscères. Le vert émeraude de la scène représente des tiges ou des cadres de fenêtre ou des arbres dans la vue au-delà. Ces éléments se fondent de manière abstraite, avec des faits saillants qui apparaissent contre le rouge profond.
À proximité, « il ne m’achèterait pas de fleurs, mais ne me laisserait que les faire pousser », à 24 sur 24 pouces, est une version plus solide de la même scène. Les fleurs se démarquent littéralement: peintes, coupées d’une toile et collées à une autre. Cette fois, le cadre semble être une ceinture de fenêtre en bois, du matériel attaché, un bord néon-orange visible sous le vert foncé. La répétition des fleurs par Yonce, à travers le collage dans cette pièce et d’autres œuvres de l’émission, se lit comme un souvenir qu’elle continue de revisiter.
Yonce transmet un sentiment et un récit avec ses titres, qui donnent souvent au spectateur une poignée dans des œuvres plus abstraites. Exemple: « Le temps a fait cette chose où il s’est effondré comme un mauvais gâteau », un assemblage dimensionnel de gaze en plâtre, de mousse d’isolation, de carton et de collage, reposant au sommet de deux chevilles murales. Deux mains bercent le reste de la sculpture, qui comprend des cotes et des extrémités écrasées – un peu de ruban de peintre, une partie d’une affiche – qui suggèrent de façon vivante l’effondrement titulaire.
Les installations de Yonce avec des matériaux trouvés se déroulent clairement dans le soulagement sculptural « Hold Me Like Tomorrow », 27 par 36 par 9 pouces. Sa partie inférieure est une étagère recouverte de beige brisé et de carreaux blancs qui semble avoir pu provenir d’une salle de repos publique. La partie supérieure est un paquet arrondi fabriqué en grande partie à partir de morceaux de farce d’oreiller en mousse, congelés en une masse solide avec de la résine. Du centre de tout cela émerge une peinture d’un visage et des mains sur un panneau plat, comme au milieu d’un câlin.
Yonce porte la couleur des portions de carreaux et de mousse (jaunes, blues, beige) dans la peinture, ce qui rend les sections visuellement cohérentes mais toujours distinctes. Les matériaux inhabituels se délectent de leur étrangeté, la mousse à la fois étincelante et brute, sans écraser l’image tendre.
Le portrait joue un rôle dans le spectacle, en particulier dans le 4 x 3 pieds « The Tough Swallow: endurer les blessures ne veut pas dire que vous ne les donnez pas. » Une silhouette centrale se trouve, une cigarette à la main, enveloppée dans un pelage, des peintures appuyées contre un mur en arrière-plan. Le visage rouge chaud de la personne avec des reflets jaunes est impénétrable, le manteau comme l’armure mais esquissé avec les arabesques d’une étiquette de graffiti. La gardienne, qui qu’ils soient, occupe beaucoup d’immobilier sur la toile, et peut-être dans la tête de l’artiste.
Yonce se laisse s’étendre avec le « Sandwich au jambon » de 58 pouces, peint sur une toile découpée non étendue. Une représentation lâche d’un bras atteint un sandwich et un carnet de croquis sur la table. Le texte apparaît d’un côté, une partie de celle-ci est-elle transférée sur et en arrière. La perspective est farfelue, la main grotesque, le texte sur le sandwich à la fois difficile à lire et banal. Pourtant, c’est une pièce totalement convaincante qui renverse le spectateur entre et hors de l’espace abstrait et réel. Comme beaucoup de petits œuvres, il ressemble à de la mémoire – certains détails bien définis, d’autres perdus.
Tout au long du spectacle, la palette de Yonce rassemble des compositions où ils pourraient autrement devenir incohérents. Ses matériaux réutilisés offrent un espoir inhérent teinté d’un peu de rupture. L’audance et la fragilité de tout cela pourraient vous frapper juste là où vous vivez.
