Le Bundy Modern de Waitsfield est à la fois inattendu et parfaitement à sa place dans son paysage. Vous pourriez passer cent fois devant la galerie sans savoir qu’elle est là ; lorsque vous quittez la Route 100 et montez l’allée de terre raide qui mène aux bois, la dernière chose à laquelle vous vous attendez est un cube moderniste en verre et en brique s’élevant au-dessus d’un bassin réfléchissant, des sculptures parsemant une vaste pelouse. C’est complètement déplacé mais, une fois que vous l’avez vu, c’est exactement ce qu’il vous faut.
De même, les œuvres de l’exposition actuelle, « Now You See Me », sont étonnamment grandes, énergiques et élégantes. L’exposition combine des peintures de petite à colossale de Suzy Spence, de grandes toiles mixtes phototransfert de Nikko Sedgwick et des sculptures en bronze de Carl D’Alvia.
Entre les œuvres d’art, on trouve trois motos impeccables : une Ducati 750 Sport de 1974, une Ducati 900SS de 1979 et une Laverda 3C de 1975, toutes appartenant à Wendell et June Anderson, qui non seulement dirigent le Bundy Modern mais y vivent également. Ils ont acheté le bâtiment du milieu du siècle en 2014, le considérant comme un joyau architectural. Leur intention initiale n’était pas d’accueillir des expositions d’art, mais parfois la forme insiste vraiment sur la fonction. Le couple est depuis devenu un élément essentiel de la communauté artistique de la Mad River Valley, établissant des liens étroits avec des artistes et des conservateurs de tout le Vermont.
Spence fait partie de ces artistes. Lorsque les Anderson ont visité son atelier de Barre, ils ont vu ses peintures monumentales « Widow » (« Widow XII » et « Widow XIII »), chacune représentant une tête de femme sur une toile non tendue de 12 pieds sur 10, et ils ont su qu’ils voulaient les présenter au Bundy Modern.
« Nous avons choisi des objets que tout le monde ne peut pas montrer : les têtes de Suzy Spence en sont un parfait exemple », a déclaré Wendell. Elles sont si grandes qu’elles sont montées directement sur le rail supérieur du système de suspension de tableaux et reposent délicatement sur le sol.
Les veuves donnent immédiatement le ton de l’ensemble du spectacle : cool, rapides, sûres d’elles. Les veuves ne semblent pas trop bouleversées par leurs maris supposés décédés. Leurs expressions transmettent puissance et intention. Avec leurs chapeaux haut-de-forme noirs – une mode masculine adoptée par les femmes du XIXe siècle pour monter à cheval – elles semblent sur le point de sauter sur l’une des Ducati et de décoller.
En effet, le tableau « Dirty Racer (Mud) » de Spence, d’une dimension de 203 x 180 cm, exposé à l’entrée de la galerie, montre une cavalière se reflétant dans les lunettes du pilote. La Ducati 750 Sport jaune et orange lui fait face. C’est comme si elle voyait un cheval là où le spectateur voit une moto. Spence voulait inclure les motos dans l’exposition, selon Wendell. « Les motos représentent la vitesse et le danger », lui a-t-elle dit, « comme le font mes peintures ».
Dans les trois portraits, le coup de pinceau assuré et audacieux de Spence ajoute un effet dramatique dynamique, en apportant des gouttes, des éclaboussures, des lavis et des lignes épaisses. Elle laisse la peinture faire son travail tout en gardant le contrôle, en prenant des risques et en sachant exactement quand s’arrêter.
Les peintures de Spence s’inspirent de la sous-culture équestre actuelle et utilisent ses attributs de manière métaphorique. Ses images sont très contemporaines, mais certains de ses sujets semblent sortir tout droit du XVIIIe siècle (un peu comme le dressage olympique de cet été). Dans des œuvres telles que « La mariée », des récits se dévoilent : des jockeys en tenue d’équitation contemporaine divertissent une séduisante veuve. Une autre cavalière semble être en fuite, probablement à la suite de son mariage avec un coureur à pied. Pendant ce temps, leurs chiens regardent dans un paysage rose poudré et bleu. On dirait Thomas Gainsborough avec des connotations lesbiennes.
De l’autre côté de la pièce, les portraits de Sedgwick font écho à ceux de Spence mais utilisent le temps de manière très différente. Le processus de l’artiste de Brooklyn commence avec de vieilles photographies, dont beaucoup de membres de sa famille et d’amis. Sedgwick détruit d’abord les images à l’acide, puis photographie à nouveau les résultats déformés et les transfère sur toile. Il travaille l’image à l’acrylique, au crayon, au papier d’emballage et à beaucoup de paillettes. Ces œuvres, pour la plupart de grande taille (1,2 à 1,5 m de côté), sont saisissantes sur deux fronts : l’aura personnelle et sentimentale des photos et les peintures lumineuses, brillantes et vigoureusement composées.
Le spectateur voit le moment où la photo a été prise mais ne sait pas quand. Les actions de l’artiste semblent immédiates et présentes dans les gribouillis égarés au crayon ou dans le papier d’emballage déchiré pour révéler une photo. L’effet est psychologique, il retire des couches de temps et revisite la mémoire.
C’est particulièrement évident dans la série « Wedding Cake », qui utilise la même photographie d’un couple noir en train de découper son gâteau de mariage. Leur figurine, un petit couple blanc (le seul disponible à l’époque), est toujours visible dans l’image déformée. Les peintures évoquent chacune des humeurs différentes, allant du tourbillonnant et rêveur à l’angulaire et sombre. Dans « Wedding Cake IV », des rayures rayonnent à partir d’un point sur la poitrine de la mariée. C’est un multivers de différentes interprétations du même moment.
Avec des propositions aussi centrées sur l’humain de la part de deux des artistes de l’exposition, les sculptures animalières de D’Alvia pourraient sembler déplacées, mais elles relient l’ensemble. Également basé à Brooklyn, l’artiste a contribué à deux de ses œuvres : « Calf », une sculpture de 17x33x15 pouces sur un piédestal bas, et « The Birds », une collection de cinq formes en bronze de 18 pouces de haut sur un piédestal plus haut au centre de la galerie.
Le veau ressemble à un nouveau-né, non seulement en raison de sa petite taille, mais aussi de sa position vulnérable : allongé comme à côté de sa mère, la tête légèrement inclinée. La surface brun foncé est couverte de poils très texturés, comme s’ils étaient mouillés. Il n’y a pas d’yeux, de bouche ou d’autres caractéristiques, aucune distinction ou espace entre les jambes, le cou ou d’autres parties. Imaginez un contour rempli comme une masse unique.
Cette exploration formelle est également à l’origine de « The Birds ». Les créatures n’ont ni bec, ni yeux, ni traits distinctifs. Quatre d’entre elles sont recouvertes d’une texture détaillée de plumes, tandis que la créature du milieu est polie jusqu’à obtenir un aspect lisse et brillant, une interruption visuelle. Il s’agit d’un clin d’œil plus court et plus épais à « Bird in Space » de Constantin Brancusi. Ces créatures ne ressemblent pas à des oiseaux, mais sont aussi indéniablement des oiseaux.
Le sens aigu de la forme de D’Alvia relie l’exposition au bâtiment et amène le spectateur à considérer les motos comme des sculptures. En les regardant dans la galerie, elles sont à la fois personnelles et sauvages, dignes d’une exposition intitulée « Now You See Me ».
