Dans un monde où les imprimés abondent, pourquoi en produire davantage ? La gravure est peut-être le moyen d’expression artistique le moins bien compris, même s’il s’agit sans doute du plus simple. Le fossé est grand entre ce qui sort rapidement d’une presse automatique – comme ce journal – et ce qui émerge de la conception et de l’encrage d’une feuille à la fois. Un observateur attentif verra qu’il n’y a pas deux impressions faites à la main avec la même plaque qui soient exactement identiques. Appelez cela de l’art lent avec une touche de sérendipité.
Les artistes du Vermont Patty Hudak, Carol MacDonald, Susan Smereka et Elise Whittemore invitent les spectateurs à observer de plus près leur exposition « Unique Similarities: Four Printmakers Expand the Matrix ». Organisée par Maureen O’Connor Burgess, elle est présentée au Highland Center for the Arts de Greensboro.
La première partie du titre pourrait décrire à la fois les légères variations entre les multiples pressages d’une plaque encrée et les approches singulières des quatre artistes face à leur médium.
Les visiteurs de cette vaste galerie baignée de lumière remarqueront probablement d’abord ce que les œuvres ont en commun : de l’encre sur papier, une palette limitée de noir et blanc (essentiellement), un vocabulaire de formes géométriques. Plusieurs artistes utilisent ici les techniques de la couture, du pliage et du collage. La cohésion esthétique a un effet apaisant : il est étrangement libérateur d’explorer une exposition sans être influencé par la couleur ou le contenu représentatif.
Pourtant, les déclarations des quatre artistes féminines révèlent que leurs œuvres ont une signification plus personnelle qu’il n’y paraît.
MacDonald a déjà abordé le traumatisme dans son travail, en utilisant des images telles que des vêtements réparés et du tricot pour représenter la guérison. Dans une exposition de 2020 au musée Rokeby, « Mending Fences », elle a déployé un cordon rouge noué pour attacher littéralement les clôtures en rails fendus sur le terrain. Cette exposition « a ouvert toute la question du racisme : devais-je faire mon propre travail autour de cela ? », a-t-elle déclaré lors d’une interview téléphonique. Le meurtre de George Floyd et les manifestations de Black Lives Matter ont cimenté sa détermination à se soumettre à cet examen personnel.
Elle a commencé une série de monotypes en 2021 « comme une exploration de ma blancheur face au racisme en Amérique », écrit-elle dans sa déclaration. Comme la plupart des graveurs, MacDonald travaillait généralement avec de l’encre noire sur du papier blanc. Cette fois, elle a inversé le processus : blanc sur noir. Ses tirages au Highland Center sont des collages de travaux antérieurs qu’elle a déchirés et réassemblés. De nombreuses pièces sont reliées par un point zigzag, un point personnel Kintsugi.
Avec sa déclaration d’artiste à l’esprit, le spectateur ne peut s’empêcher de voir les œuvres en noir, blanc et gris de MacDonald comme des métaphores.
« Mon travail est toujours le fruit d’un lieu en moi et de mon histoire », a-t-elle déclaré. « J’espère qu’il trouvera un écho auprès des gens à un certain niveau, qu’une certaine énergie sera transmise. »
Les monotypes de Smereka intègrent également le collage et la couture, ainsi que des pièces réutilisées de travaux antérieurs et d’autres éléments. Son travail a une sensibilité graphique audacieuse et utilise la répétition comme pour enfoncer un clou. Un motif particulièrement frappant ressemble à un couteau ou à un tesson. Une forêt de ces formes domine les monotypes de 22 x 30 pouces de Smereka « à la fin » et « ne peut pas voir ». Dans d’autres pièces, elle coupe une partie de la forme pour créer un fragment – un arc, un trapèze – domptant sa lame.
La lecture de sa déclaration d’artiste sur les liens de sang et les liens choisis apporte de nouvelles dimensions aux compositions de Smereka. « Une partie de notre histoire familiale est une histoire que nous portons en nous – un transfert épigénétique de nos ancêtres qui se joue inconsciemment », écrit-elle. « La gravure est un processus qui montre une impression de quelque chose. La surface réelle n’est pas là. »
Par téléphone, Smereka a expliqué que la réalisation de gravures lui permettait de traiter des aspects de la vie intérieure que les spectateurs peuvent deviner, même s’ils ne sont pas visibles à l’œil nu. « Parfois, c’est personnel et parfois c’est universel », a-t-elle déclaré. « C’est du moins ce que j’espère. Tout le monde semble avoir une histoire sur sa famille, bonne ou mauvaise. »
Sa propre histoire concerne le suicide d’un de ses frères et sœurs il y a près de dix ans, a révélé Smereka. « J’ai essayé de traiter cette histoire de différentes manières. »
À un autre niveau, poursuit-elle, les points de couture de ses collages rappellent l’histoire du « travail des femmes ». « Ce que les femmes fabriquaient avec du tissu leur appartenait », dit-elle. « Elles ne possédaient pas leurs enfants, leur terre, leur argent. Elles possédaient leurs tapisseries. Elles en tirent une grande fierté. »
L’œuvre de Hudak explore l’interdépendance du monde naturel. Contrairement aux trois autres graveurs, qui réalisent principalement des monotypes, elle sculpte des blocs de bois et crée des images avec de l’encre sumi en utilisant la technique japonaise appelée mokuhangaPour cette exposition, elle a réalisé des tirages de 28 x 114 pouces à partir d’un bloc surdimensionné. En pliant et en pressant à nouveau son papier washi, Hudak a pu imprimer des deux côtés, créant ainsi plus de profondeur.
Au centre de la galerie, une installation de grands tirages qu’elle appelle « Ombres » est empilée sur trois de haut et cinq de large. Chaque pièce présente une ou deux formes de diamants libres ; ensemble, ils ressemblent à des totems, leur impact graphique étant à la fois primitif et moderniste.
Ces formes ont une résonance particulière pour Hudak. Au Japon et dans la patrie ancestrale de sa mère, en Irlande, elle a observé des espaces sacrés marqués dans le paysage. « Nous n’avons aucune trace de cela ici », a-t-elle déclaré par téléphone. « (Pendant la pandémie), j’ai commencé à passer plus de temps dans la nature et à la considérer comme sacrée. C’est cette idée de transcender le côté scientifique de la nature et d’entrer dans le côté mystique. »
Plusieurs de ses gravures sont accrochées dans les vitrines de la galerie, où la lumière peut les traverser à la manière d’un vitrail. Des éléments botaniques fantomatiques se croisent avec des formes de diamant, rendant les œuvres véritablement mystiques.
« J’espère que lorsque les gens verront mon travail, ils ressentiront ce miracle, cet esprit », a déclaré Hudak.
Le cercle a également des connotations cosmiques, ainsi qu’une présence audacieuse en noir, blanc et gris sur du papier blanc éclatant. C’est une forme que Whittemore continue de découper et de composer dans des variations apparemment infinies. « Je n’en ai pas encore fini », a-t-elle déclaré par téléphone. Mais elle commence par un carré.
Whittemore a déclaré que ses monotypes sont « construits à partir de l’idée d’un bloc de courtepointe ». Bien qu’elle ne soit pas elle-même une couturière, elle se souvient d’avoir observé sa mère, qui « posait un carré, le découpait, le faisait peut-être tourner ». C’est ce qu’elle fait avec ses carrés, d’où émergent des cercles. Imaginez la forme coupée en deux, en quatre, en huitièmes, puis réorganisée de manière inventive. Dans « Wander III », par exemple, la composition ressemble à trois torsades diagonales noires et grises, comme un ruban ou des pâtisseries.
Fascinée par le potentiel géométrique du cercle, Whittemore est également portée vers la soustraction : « Dans cette série, je cherchais à savoir jusqu’où les motifs pouvaient aller au minimum », a-t-elle déclaré. « Que puis-je réduire et quand même créer quelque chose ? »
Comme Smereka, elle apprécie la lignée des compétences de couture des femmes. Bien que sa déclaration d’artiste pour cette exposition soit minimale, Whittemore observe sur son site Web « comment les éléments des conceptions (des quilteuses) pourraient refléter des idées sur la maison et leur environnement ».
«Unique Similarities» est riche en sémaphores personnels et en énergie féminine. Bien que le seul accord collectif entre les artistes soit la palette restreinte, Whittemore a reconnu que toutes leurs œuvres témoignent d’un «sens de construction».
« Il y a une sorte de ton sombre dans cette exposition d’été dans le Vermont », a déclaré Hudak. « Il y a une exploration du noir et des nuances de gris. Et où se situe le blanc ? J’ai l’impression que nous exprimons une sorte de ligne de vie. »
