TLa question de savoir combien coûte l’art nous ramène toujours à la banane. En 2019, Maurizio Cattelan en a collé un sur un mur et l’a appelé « Comédien ». En 2024, une version de la pièce s’est vendue aux enchères pour 6,2 millions de dollars au frère crypto Justin Sun, qui l’a rapidement mangée sur scène. Les gens ont décrié la vapidité, le gaspillage et le capitalisme effronté de l’article de Cattelan, ce qui était sûrement le but ; contrairement à la monnaie tout aussi conceptuelle qui rapportait à Sun ses milliards, l’art constituait au moins une collation nutritive.
L’anecdote illustre également que la tarification de l’art provoque de grandes émotions. Pour certains, les prix semblent absurdes ou opaques, basés uniquement sur le caprice du créateur. Cela peut également sembler vrai aux artistes, qui ne savent parfois pas quoi facturer. Et beaucoup de gens qui n’éprouvent aucun scrupule à payer deux fois plus qu’avant pour un hamburger rechignent à acheter des œuvres d’art qu’ils aiment parce qu’ils ne savent pas si cela « en vaut la peine ». Ainsi, pour le numéro Argent et Retraite de cette année, Sept jours a posé à plusieurs acteurs du domaine une question pas si simple : combien devrait coûter l’art ?
Patricia Trafton, propriétaire et directrice de la galerie Soapbox Arts à Burlington, a déclaré que l’un des problèmes est la valeur perçue. Les gens ont une idée, a-t-elle dit, de ce que coûtent des objets tels qu’un T-shirt – ou une version de luxe de ce T-shirt. « Vous avez en tête ces prix entre ce qui est cher et ce qui ne l’est pas. Nous n’avons pas ces associations intégrées, pour la plupart d’entre nous, avec les œuvres d’art. »
Les coûts d’un artiste ne sont peut-être pas ceux qui nous viennent à l’esprit. Par exemple, ils pourraient inclure l’accès à un équipement spécial ou à un espace pour travailler avec des matériaux toxiques tels que la peinture à l’huile, la construction de civières ou d’encadrements personnalisés, et des obligations non spécifiques à l’art telles que la garde d’enfants.
Dix mille dollars peuvent sembler un prix choquant, mais quand on le décompose, cette personne gagne en dessous du salaire minimum.
Patricia Trafton
« 10 000 $ peut sembler un prix choquant, mais lorsque vous le décomposez, cette personne gagne en dessous du salaire minimum », a déclaré Trafton. Et rien ne garantit que la pièce se vendra.
Les galeries commerciales telles que le travail de Trafton sur commande, généralement 50 pour cent. Contrairement aux musées ou aux espaces artistiques à but non lucratif, qui se soucient davantage de donner accès aux œuvres d’art, les galeristes tentent activement de les vendre, suggérant des prix et commercialisant l’œuvre en plus de la montrer – un service inestimable pour de nombreux artistes. « J’ai un réseau de relations avec des personnes qui ont les moyens et le désir d’acheter cette œuvre, ce que l’artiste n’a souvent pas », a déclaré Trafton. «Je suis également en mesure de faciliter cette vente, du début à la fin, d’une manière que l’artiste ne souhaite peut-être pas ou ne soit pas bien équipé pour le faire seul.»
La plupart des artistes du Vermont, équipés ou non, sont le faire tout seul. Hannah Morris est une artiste de Barre qui a exposé ses peintures en techniques mixtes dans des lieux allant du BCA Center de Burlington au Brattleboro Museum & Art Center. Elle n’est actuellement pas représentée dans une galerie, a-t-elle déclaré, et son travail à temps plein en tant que graphiste chez National Life Group ne lui laisse pas autant de temps en studio qu’elle en aurait besoin pour suivre le rythme des expositions dans une galerie commerciale.
«C’est en quelque sorte un piège, dans le sens où je devrais faire quelques changements ou faire des bêtises», a-t-elle déclaré.
Au lieu de cela, Morris fixe elle-même ses prix en fonction d’une formule qu’elle a élaborée : environ 2,55 à 3 dollars par pouce carré, selon la taille et en incluant les côtés de la toile, qui sont également peints. Elle a en fait baissé ses prix il y a un an, une fois qu’elle a commencé à exposer principalement dans le Vermont, a-t-elle déclaré. « Je ne veux pas sous-estimer l’art et mon travail, mais je ne veux pas que cela soit tout simplement inaccessible aux gens. »
Mark Waskow, président du Northern New England Museum of Contemporary Art, a fait de l’art l’une de ses passions depuis près de 30 ans. Il a commencé à collectionner lors d’un rendez-vous à l’aveugle au South End Art Hop de 1998. « C’était comme une chasse aux œufs de Pâques pour l’art », se souvient-il, « et c’était tout simplement l’expérience la plus merveilleuse. »
Il a acheté trois ou quatre pièces ce week-end, a-t-il déclaré, ce qui s’est transformé en l’achat de quelques centaines d’objets d’art au cours de sa première année. Sa collection, connue sous le nom de Waskomium jusqu’à ce qu’elle devienne une organisation à but non lucratif sous le nouveau nom en 2018, compte aujourd’hui plus de 34 000 œuvres d’art.
Waskow a noté quelques erreurs courantes commises par les artistes lors de l’évaluation de leur travail. « Les gens accordent beaucoup d’importance à leur travail lorsqu’ils commencent », a-t-il déclaré, s’attachant tellement à une pièce qu’ils pouvaient demander un prix ridicule. Il recommande plutôt de fixer un prix en examinant des œuvres de taille et de support comparables réalisées par des artistes ayant un curriculum vitae comparable.
Un autre faux pas consiste à indiquer uniquement le « prix sur demande », ce qui signifie que les acheteurs devraient demander, ce que Waskow a décrit comme une couverture pour les artistes mal à l’aise avec l’idée de vendre. « Si le prix vous gêne, ce n’est pas le bon prix », a-t-il déclaré.
Le peintre et sculpteur Glen Coburn Hutcheson semble se tourner vers cette maladresse perçue, fixant ses prix en fonction en partie de l’acheteur. Les visiteurs de son spectacle 2025 au Front de Montpellier ont vu des prix étiquetés tels que « 10 $ x votre salaire horaire ou 0,5 % de votre revenu annuel ».
« C’était divertissant et a suscité de nombreuses conversations », a déclaré Hutcheson, « mais tout le monde devait faire pas mal de mathématiques. » Cela l’a incité à modifier légèrement son plan. Aujourd’hui, les visiteurs de son site Web voient un « prix pour les personnes riches », un pour les « gens moyens » (80 % de réduction) et un pour les « personnes en difficulté » (90 % de réduction). Il fait confiance aux acheteurs pour attribuer leur propre tarif.
Hutcheson a commencé à envisager des tarifs alternatifs après avoir lu un rapport de 2013 New York Times article sur la tailleuse de pierre de Morrisville, Thea Alvin, qui à l’époque fixait son taux horaire de travail en fonction de son âge, en l’augmentant de 1 $ le jour de son anniversaire. (Cela a changé, a-t-elle déclaré par courrier électronique. Ironiquement, la demande accrue pour ses sculptures après la publication de l’article l’a incité à repenser ses tarifs.)
Hutcheson a déclaré qu’en plus de vouloir que ses pairs puissent acheter son travail, il estime que « le temps de chacun, en tant qu’être humain avec une durée de vie limitée, a la même valeur ».
Il a reconnu que son système de tarification pourrait décourager les acheteurs les plus riches et qu’il ne volerait pas s’il était représenté par une galerie commerciale ; de plus, il ne serait pas réaliste pour lui que l’art soit son seul métier. Mais il considère le prix comme une sorte d’œuvre d’art conceptuel qui, espère-t-il, incitera les spectateurs à réfléchir à la manière dont nous attribuons de la valeur.
« L’une des choses que l’on peut faire en tant qu’artiste au 21e siècle est de réfléchir en faisant de la merde », a déclaré Hutcheson. « Il vous suffit donc de modifier vos étiquettes de prix et de voir ce qui se passe. » ➆
La version imprimée originale de cet article était intitulée « Oui ! Nous n’avons pas de bananes | Combien devrait coûter l’art et pourquoi est-il si difficile d’en fixer le prix ? »
Corrigé le 1er avril 2026 : Une version antérieure de cette histoire mal orthographiait la collection d’art de Mark Waskow, le Waskomium. Il a également mal indiqué l’année de création du Northern New England Museum of Contemporary Art ; c’était en 2018.
