Les mondes inventés peuvent-ils partager un terrain d’entente ? Ils le font dans «Winter Color», une exposition lumineuse et vibrante présentée jusqu’au 15 février à la Kishka Gallery & Library à White River Junction. Les co-commissaires Ben Finer et Bevan Dunbar ont rassemblé une poignée d’œuvres de trois artistes qui créent leurs propres langages visuels distincts mais dont l’esthétique et les techniques partagent une conversation étroite.
Jess Johnson est connue pour ses images trippantes inspirées de la science-fiction, qui commencent dans ses dessins et ses peintures à la gouache et se sont retrouvées dans de grandes installations, vidéos, simulations de mode et de réalité virtuelle. Imaginez une orgie spatiale de Samuel Delany dans les années 1970 qui se déroule dans une simulation Minecraft d’un dessin de MC Escher, et vous y êtes presque.
Les éléments de son travail comprennent des serpents et des vers, des corps stylisés de toutes les teintes, des visages béants sans nez, des circuits et des tubes et des troisièmes yeux. Il y a une quantité vorace de motifs, de détails empilés sur détails pour créer quelque chose d’immersif et d’énigmatique. Il n’est pas surprenant que Johnson ait projeté ses images sous forme de vidéo lors de projections en dôme de style planétarium ; c’est très surprenant qu’avec l’aide de sa maman, elle en ait fait des quilts.
Deux d’entre eux, «Flesh Nebula» et «Necrotic Scroll», sont exposés à Kishka. Johnson vit et travaille à New York ; sa mère, Cynthia Johnson, vit à Whangarei, en Nouvelle-Zélande, où Jess a grandi. Jess combine des éléments dessinés à la main de ses peintures dans Photoshop et les fait imprimer commercialement sur tissu. Cynthia ajoute ensuite des bordures découpées de sa propre conception et matelasse l’ensemble de l’œuvre à la machine.
Le quilting donne littéralement aux images de Johnson une autre dimension, tactile et réelle ; les œuvres ressemblent davantage à des cartes de tarot ou à des manuscrits enluminés qu’à des jeux vidéo. L’ajout de détails et de travail confère du sérieux et du soin au vocabulaire visuel vertigineux de Johnson. Et les motifs qui abondent dans les courtepointes s’inspirent des autres œuvres de l’exposition.
Edie Fake, qui vit près du parc national Joshua Tree en Californie et est connu pour ses illustrations et ses romans graphiques, présente trois œuvres de «Shell Game», une série de peintures à la gouache de 16 x 20 pouces sur panneau. Chacun présente un motif abstrait mis en valeur par des dégradés de lignes soignés qui créent une lueur néon de loin. La palette lumineuse de Fake – jaune et magenta mais aussi taupe et corail, des couleurs plus boueuses qui semblent pourtant luminescentes – est rehaussée par des zones noires qui aspirent la lumière.
Selon Finer, copropriétaire de Kishka, Fake utilise une peinture noire spécialement formulée pour obtenir cet effet velouté. Cela, et la façon dont Fake raye soigneusement les bords de ses panneaux, donne aux peintures l’impression d’être des artefacts d’un casino vintage glamour. Ses travaux antérieurs exploraient l’architecture comme moyen d’exprimer l’identité trans ; ces panneaux font avancer cela, articulant un espace queer sans référence à l’emplacement.
Comme Fake, Jessy Park utilise l’architecture pour véhiculer une identité là où le langage échoue. Park est une artiste autiste bien connue de Williamstown, Massachusetts, qui réalise ses peintures précises depuis des décennies. Elle utilise la quasi-symétrie et les formes géométriques pour tracer un monde calmement ordonné mais exubérant et coloré. Elle intègre souvent des couleurs arc-en-ciel pastel dans ses bâtiments, comme dans « The Mount », où elle restitue avec joie une vieille demeure majestueuse.
Un article de 2004 dans le Messager de l’art populaire – qui, comme la plupart des écrits sur Park, véhicule des attitudes malheureusement dépassées à l’égard de l’autisme – parle de la sensibilité accrue aux couleurs de Park et de la façon méticuleuse dont elle mélange les peintures, sans jamais utiliser une teinte directement sortie du tube. C’est particulièrement visible dans « Jail Window », un tableau de 1981 qui présente les installations de Park avec des dégradés si proches qu’ils sont à peine distinguables – mais très efficaces pour décrire ses mondes.
Chacun de ces artistes a créé une syntaxe visuelle si distinctive qu’il est remarquable d’examiner leurs œuvres plus vastes et de trouver des pièces qui pourraient facilement s’intégrer dans les portfolios des uns et des autres. Dans « Winter Color », ils parlent le même langage.
