Les pièces de Sam Shepard sont empreints de symbolisme et de langage lyrique, mais ses intrigues et ses décors sont résolument terre-à-terre. Sa marque de fabrique pourrait être de décrire une journée absolument ordinaire qui devient en quelque sorte le point de rupture d’un personnage. Enfant enterréune famille entière se défait, mais le patriarche ne quitte jamais le canapé et une course pour aller chercher une bouteille de whisky prend toute la nuit. Une production solide des Parish Players au Eclipse Grange Theatre de Thetford capture le mélange sauvage de prosaïque et de profond de Shepard.
Shepard a commencé à écrire des pièces expérimentales dans les années 1960 et sa carrière a décollé avec la première de Enfant enterré en 1978. La pièce a remporté le prix Pulitzer de théâtre en 1979. Reprise par un groupe de théâtre communautaire ambitieux sur le plan artistique, elle reste convaincante.
Pour dépeindre la désintégration de la famille américaine, Shepard en construit une particulièrement étrange, qu’il parsème de comportements étranges et d’une histoire hyperbolique qui semble osciller entre vérité et illusion. Dodge, septuagénaire, et Halie, sexagénaire, possèdent une ferme dans l’Illinois où, selon eux, rien n’a poussé depuis 40 ans. Leurs deux fils rabougris sont incapables de continuer à exploiter la ferme ou de s’occuper de leurs parents. Tilden, émotionnellement blessé, est rentré chez lui à la cinquantaine. Bradley a perdu sa jambe dans un accident de tronçonneuse, et sa seule joie est de brutaliser les membres de sa famille.
Vince, le fils de Tilden, arrive avec sa petite amie, Shelly, et découvre que son père et son grand-père ne le reconnaissent pas. La famille cache un sombre secret qui semble à la fois métaphysique et tout à fait réel. Shepard laisse le sens de la pièce ambigu tout en affirmant avec fermeté que la famille a subi des dommages mortels.
Enfant enterré L’histoire se déroule pendant la dépression agricole des années 1970, mais Shepard exprime les défis de l’époque de manière surréaliste. Tilden entre les bras chargés de maïs frais, une mystérieuse explosion de fécondité dans un monde que la famille considère comme blanchi et sec. Il pleut, et Tilden et le maïs vert sont trempés. Rien ne va, rien n’appartient. Puis, alors que ses parents se disputent, Tilden s’assoit sur un tabouret de traite dans le salon, épluche le maïs et jette les cosses sur le tapis du salon. Alors que le spectateur s’enfonce dans ce monde étrange, l’histoire semble palpiter de sens.
La narration de Shepard est évasive, reflétant l’incapacité de ses personnages à faire face aux événements. Halie est amère à propos de la mort de son plus jeune fils « dans une chambre de motel » et tout aussi amère à propos de son mariage avec une femme catholique. Elle parle encore du pressentiment qu’elle a ressenti lorsqu’il est parti en lune de miel. Bien que la manière dont il est mort reste non-dit et que l’on ne nous dise jamais explicitement qu’il a été tué par sa nouvelle épouse, le meurtre semble s’élever comme de la fumée.
Tout au long de la pièce, les personnages racontent des bribes d’histoires, mais ils n’incluent presque jamais l’action principale. Le public est tellement attristé qu’il est obligé d’imaginer que l’histoire se termine par un événement tout aussi important. Le titre de la pièce est évoqué tout au long de la pièce. Un enfant est-il enterré dans le champ à l’arrière de la pièce ? L’enfant est-il le résultat d’un inceste ou d’une liaison ? Ou bien l’enfant est-il une idée, un symbole de la mort de la famille américaine ?
Le réalisateur Ray Chapin ne demande jamais aux spectateurs de s’accrocher à une réponse, et on peut affirmer que dans le monde pluvieux de la pièce, les réponses ne sont plus possibles. Mais les thèmes profonds abondent. Chapin est remarquablement fidèle au style ouvert et poétique de Shepard, laissant le poids des luttes des personnages suggérer des vérités trop grandes pour être cernées.
Dans le rôle de Dodge, Alan Gelfant enferme le personnage dans le canapé, dans sa toux sèche, dans des bribes du passé. Gelfant laisse Dodge tressaillir de désillusion dans une performance riche qui traduit des besoins émoussés par la triste forme de sa vie.
Dans le rôle de Halie, Kay Morton harcèle Dodge avec une précision de tireur d’élite, puis avance un récit des griefs passés avec une majesté biblique. Entre les mains de Morton, Halie a toujours raison, même lorsqu’elle rentre chez elle ivre après une nuit de beuverie avec un pasteur.
Erik Gaetz joue Tilden comme un homme ancré dans le silence, le regard fixé sur les autres. La pièce contient plusieurs des magnifiques et spacieux monologues de Shepard. Gaetz fait de la description de la conduite de Tilden un point fort de la production, son visage ouvert au souvenir du désir.
Dans le rôle de Shelly, Julianne Borger a pour tâche simple de se laisser troubler par cette étrange famille. Mais bientôt, Borger s’installe et révèle un personnage étrangement à l’aise avec l’épluchage de carottes dans un salon, tandis que Tilden est obligée de toucher sa veste en fourrure de lapin comme si elle était elle-même un animal sauvage. Borger rend chacune des nombreuses transitions de Shelly d’une clarté étonnante.
Pour compléter ce casting solide, on retrouve Noor Taher dans le rôle de Bradley, un homme brutal et unijambiste ; Malcolm Quinn Silver-Van Meter dans le rôle du petit-fils qui essaie de s’approprier l’alcoolisme et la distance émotionnelle de son grand-père ; et Jim Schley dans le rôle du révérend prompt à fuir les ennuis.
Chapin a guidé les acteurs pour maintenir un ton absorbant et unifié qui évite délicatement certains pièges. La production est sérieuse mais jamais sombre, tendue mais jamais théâtrale. L’humour transparaît dans les dialogues et l’action. Shepard ne veut pas que ses personnages aient de la pitié facile, et Chapin laisse chacun d’eux manifester un courage étrange et sincère pour être qui il est.
Le décor et les costumes confèrent à la pièce le réalisme méticuleux que Shepard aimait utiliser pour démolir la vénération sentimentale du rêve américain.
Alors que Dodge le patriarche s’effondre, l’histoire devient le genre de drame le plus masculin : une lutte de pouvoir. Mais les outils et les enjeux de Enfant enterré sont bizarres. Bien qu’il soit toujours évident de savoir qui gagne, la situation change terriblement vite jusqu’à ce que Vince se proclame l’héritier évident d’un héritage en lambeaux. «Je dois continuer sur ma lancée», dit-il avec une confiance désinvolte. «Je dois veiller à ce que les choses continuent à avancer.» Quel projet étrange ce sera.
