Il n’y a rien de tel que d’être sur la blague, et dans Les révolutionnairesBeaucoup de blagues concernent la façon dont un public fait l’expérience d’une pièce. Rirer pendant la production épineuse de Lost Nation Theatre, c’est devenir un costar. Dans les robes à période volante, les personnages sortent continuellement de la Révolution française pour casser le quatrième mur. Le temps est 1793, et la guillotine se profile, mais ce n’est pas à la hauteur d’une perspective comique sur la vie.
La pièce de 2016 de Lauren Gunderson attire l’humour des gambits métathéatriques mais aussi de l’anachronisme à vis à vis et de la vérité sombre que nos problèmes politiques semblent de façon affaiblie au cours des siècles. Dans beaucoup de ses pièces, Gunderson présente de véritables femmes pionnières de la science, de l’histoire ou de la littérature; Cette fois, ses héros essaient de vivre le règne de la terreur.
Dans une seule pièce, Gunderson place Olympe de Gouges, activiste politique et dramaturge; Charlotte Corday, qui prévoit d’assassiner le violent leader de Jacobin, Jean-Paul Marat; et Marie Antoinette, la dernière reine de France. À ces personnages réels, le dramaturge ajoute un personnage composite: The Spy Marianne Angelle, basé sur de vrais militants à la recherche de droits pour les esclaves à Saint-Domingue, maintenant Haïti.
Les femmes se matérialisent alors qu’Olympe les invoque, mais Gunderson a inventé l’idée qu’elles se sont croisées. La salle est le salon d’Olympe, avec son écriture incomparable de papiers, mais elle peut la remplir de son imagination alors qu’elle essaie d’évoquer une nouvelle pièce sur la révolution et un éventuel avenir politique pour la France. Olympe rêves que l’art seul peut diriger la société.
Gunderson en invente beaucoup, mais ses personnages sont tout à fait vrais. L’Olympe dans cette émission, marmonnant sur une pièce qu’elle veut écrire, parle d’un jeu réel que le vrai de Gouges a commencé et qui comprend des salvos d’adresse directe comme ce que Gunderson utilise. Par exemple, De Gouges devient un personnage dans sa propre pièce pour affronter Marie Antoinette sur le rôle de la royauté.
Dans Les révolutionnairesOlympe a du mal à créer de l’art qui pourrait changer la civilisation. Mais comment réagir au pouvoir politique qui supprime la pensée et est libre de marquer une action en tant que trahison? Les personnages doivent passer la pièce sous la menace constante d’une arrestation, un procès simulé et une montée à la guillotine avec seulement un moment pour les derniers mots.
C’est pour de tels derniers mots que Marianne, Marie Antoinette et Charlotte se tournent vers Olympe. En tant qu’écrivain, elle devrait être bonne pour fournir la déclaration qui préserve l’histoire une vie raccourcie et autrement mal comprise. Le truc du gâteau de Marie Antoinette? C’était une mauvaise cible, des mois auparavant, mais peut-être que maintenant Olympe pourrait lui écrire quelque chose?
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La production, dirigée par Katie Genzer, est deux heures surréalistes des efforts héroïques d’Olympe pour imaginer une pièce en entrant à l’intérieur et à l’extérieur de l’histoire et en sautant entre le caractère et la méta-personnage. Genzer maintient les interprètes en mouvement pour équilibrer le talkage amusant du script et accorde l’ensemble à une hauteur de bande dessinée harmonique.
Le jeu fonctionne comme un flipper. Chaque fois que la politique devient un peu trop sombre, le dramaturge a deux nageoires pour lancer le ballon en sécurité: l’esprit de l’auto-référence théâtrale ou le doux leurre de l’art qui donne à Olympe l’espoir et le but. Ding-ding-ding-ding!
Bien qu’il soit toujours amusant de frapper ces pare-chocs, cela signifie que le spectacle ne s’installe jamais dans une histoire sur quoi que ce soit sauf lui-même. Pourtant, il reste bien frais et maintient un sentiment expérimental lâche car il se limite de sérieux à idiot et à dos.
Et aujourd’hui, la poursuite de l’art et de la vérité a probablement besoin d’un manteau ironique pour se cacher. Les plus grands rires jeudi dernier ont marqué les parallèles avec notre politique actuelle. La comédie est plus facile que l’idéalisme social, et même Olympe ne peut pas tourner Égalité dans un plan d’action.
Abby Paige, en tant qu’Olympe, est spectaculaire pour montrer un personnage qui change d’avis. Olympe est un écrivain en une étape en deux étapes, et Paige dynamise chacun de ses progrès afin que les contradictions du personnage deviennent sa raison de vivre. Paige montre le dramaturge plongeant profondément dans le féminisme au milieu de l’anarchie masculine, puis se tournant pour saisir durement les rênes de son complot. En tant que moteur de cette production, Paige ne faiblit jamais.
Stacia Richard, jouant à Charlotte, explique avec certitude jeune son plan pour assassiner Marat et mettre fin à la violence qu’il remute. Il est difficile de construire un personnage tandis que le dramaturge sur scène improvise audiblement le rôle, et Richard oscille entre la conviction d’un introverti et le foutre d’un extraverti. Ensuite, Charlotte peut arrêter de parler et d’agir, et Richard le rend puissant.
En tant que Marie Antoinette, Stoph Scheer remplit l’espace sous sa perruque ornée avec une lèvres étonnantes et époustouflantes Oh planté sur un teint blanc osseux. Gâté, ingénu, vexé et secrètement très nerveux, la dernière reine de France n’a plus de gens pour lui exaucer tous les souhaits. Cette Marie Antoinette ne rend jamais complètement le fantasme que le pire ne viendra jamais pour quelqu’un dans une robe rose ce grand.
Brittney Malik, en tant que Marianne, efface le plus les profondeurs émotionnelles et politiques de la pièce. Malik utilise l’empressement en tête de handicap pour faire briller l’idéalisme de Marianne. Des siècles plus tard, la croisade anti-esclavage de Marianne est maintenant facile à comprendre, mais Malik montre à quel point il était large en 1793. Ses sacrifices donnent à la pièce une ancre humaine.
L’ensemble de Mark Evancho et les costumes de Cora Fauser frappent juste les bonnes notes hyperboliques. Fauser donne à chaque personnage une base visuelle robuste à partir de laquelle travailler, afin que chaque exagération comique soit enracinée dans la jupe tourbillonnante parfaite. L’ensemble d’Evancho est à la fois simple et encombré de possibilités, donc chaque mouvement semble inventif.
Gunderson a écrit une expérience comique qui bouscule le public avec des tropes auto-référentiels. Parfois, on a l’impression qu’elle construit une échelle assez grande pour que nous puissions voir le sens de tout cela – est-ce de l’art? Droits des femmes? Survie? Sacrifier? La perspective n’est jamais assez grande, donc une vision de rien d’autre que des trucs drôles ne feront l’affaire.
Dans la scène finale, la comédie et la tragédie atteignent un équilibre, flottant sur l’essence du théâtre. Le coup de fouet de faux départs et le rythme fin et rapide se résolvent enfin. Avec une véritable poignance, la fin est une pure technique de théâtre: le costume, l’éclairage et la performance fonctionnent à nouveau leur magie.